Crítica: En los límites de la realidad

“The Twilight Zone: The Movie” (1983) significó el salto a la gran pantalla de una de las series más míticas del terror y la ciencia ficción de las décadas de los cincuenta y sesenta. No se quedó ahí, pues el aclamado show tuvo continuación en los ochenta, con una segunda etapa e incluso se ha extendido hasta el siglo XXI, a principios del 2000 con su tercera edad y hace un par de años, con su última andadura hasta la fecha. Steven Spielberg fue el encargado de producir esta ambiciosa empresa, reuniendo a tres cineastas pertenecientes a la élite del fantástico como John Landis, Joe Dante y George Miller, sumados al propio Spielberg, quien también dirigiría uno de los segmentos. 

“The Twilight Zone: The Movie” (“En los límites de la realidad”, título español) forma parte, desgraciadamente, de esa categoría negra de la historia del cine, de las denominadas “películas malditas de Hollywood” (no sería la primera vez en la carrera de Spielberg que uno de sus proyectos era devorado por la controversia). Imposible olvidar el trágico accidente de helicóptero durante el rodaje que terminó con la vida del actor Vic Morrow y dos niños, estos últimos además, participando de manera ilegal, lo que derivó en un largo contencioso legal del que finalmente, terminó saliendo indemne el director John Landis. 

Historia negra aparte, la película se cuenta hoy, sin ningún lugar a dudas, entrelas grandes antologías fantásticas del género, al nivel de otros clásicos del formato como “Creepshow” (1982) o “Cat´s Eye” (1985). Compuesta por cuatro historias, la primera de ellas, “Time Out”, de Landis (quien también dirige ese inolvidable prólogo con Dan Aykroyd), es la única original, pues las tres restantes son adaptaciones de episodios clásicos de la serie. Landis (“Un Hombre Lobo Americano en Londres”) rueda una dura crítica contra el racismo y la xenofobia en un relato que respeta de manera marcial las normas del show televisivo y nos pone en la piel de un convincente Vic Morrow a modo de tan inesperada como oportuna herramienta de denuncia social. Landis mueve los hilos de su bufón a través de dispares set pieces y momentos históricos de lúgubre ambientación y aterrador trasfondo (por cuestiones entendibles, se eliminó la secuencia del accidente), en el que es uno de los grandes encantos del segmento, más allá de su mensaje. La secuencia final, una puñalada metafórica contra la intolerancia que ya es historia del género. 

Curiosamente, es un habitual visionario del género como Spielberg, quien interpreta en esta ocasión el papel de eslabón débil de la cadena filmando la menos interesante de las historias, una revisión de “Kick the can”, capítulo de la serie clásica. El cineasta se aleja del tono terrorífico del resto de la antología, para acercarnos a tesituras fantásticas de corte edulcorado, un cuento entrañable sobre la vejez de la carne y los huesos y la eterna juventud del alma con guiños a la obra de James Matthew Barrie incluidos, antesala de lo que años más tarde culminaría el propio director con ese inolvidable y épico viaje a la tierra de nunca jamás en “Hook” (1991), pieza indispensable del fantástico. 

Ron Howard filmaría un par de años después su particular versión de “Kick the can” bajo el título de “Cocoon” (1985), uno de los grandes éxitos de la ciencia ficción de corte familiar de los ochenta. Volviendo a lo que nos ocupa, destacar la presencia del resplandeciente Scatman Crothers, quien tres años antes, había participado en “El Resplandor” (1980) y que, tres años más tarde, fallecería en su california natal. Una historia simpática para todos los públicos muy en la línea del cine Spielberg pero como digo, bastante disonante con el tono de la obra en su conjunto. Pero para eso está Joe Dante (“Aullidos”), para regresarnos al terror puro y duro con “It´s a good life”. Dante lo hace a su manera, conjugando con elegancia y eficiencia terror y comedia, muy al estilo de lo visto en obras de su filmografía como “Gremlins” (1984) o “No matarás al vecino” (1989). Un relato repleto de suspense marca de la casa y de una imaginería visual desbordante con los cartoons de los sesenta como leit motiv. Para aquellos que dudan de la compatibilidad de dos géneros a priori antagónicos como el terror y la comedia, aquí tienen un gran ejemplo de lo mucho que pueden hacer el uno por el otro, cuando se hace bien. Si el cierre de “Time Out” es un clásico, Dante y su chistera, nos dejan aquí un par de estampas para la posteridad. 

Y faltaba George Miller (“Mad Max”). En esta ocasión, lo mejor (o lo más recordado), para el postre. “Nightmare at 20.000 feet” es el corte más genuino de puro terror de esta “The Twilight Zone: The Movie”. Una historia llamada a ser de culto inmediato que sigue resultando tan perturbadora hoy, como aquella primera vez. Mucha de la culpa es de John Lithgow y de su fantástico trabajo. Una historia sobre los miedos, la paranoia y por supuesto, los mitos y leyendas del imaginario sobrenatural popular. Los gremlins, no los de Dante, los de las historias para no dormir que corrían entre los pilotos ingleses en la segunda guerra mundial y que hace dos pelos de culo Roseanne Liang llevó a la gran pantalla en la divertida “Shadow in the cloud” (2020). 

La química entre Lightgow y su monstruo es brutal. La forma en la que el actor edifica en su personaje los tics de la paranoia, como mete y saca al espectador de su particular pesadilla con un gesto, con una mueca, es un auténtico espectáculo. Una montaña rusa de sensaciones amén de un ejercicio de estilo con denominación de origen de un actor que siempre se ha movido en la excelencia y que aquí, una vez más, lo borda. Broche de oro para una de las grandes antologías de terror de all the times, la combinación de cuatro talentos incuestionables y de fondo, el espíritu, la esencia, de la que sin duda es una de las mejores series fantásticas de la historia de nuestro amado género. Leyenda negra, un Spielberg meando fuera de tiesto y un prólogo y epílogo que siendo la mar de simpáticos, nos dejan, por potencial, con la sensación de que podrían haber dado para una quinta historia de tres pares de cojones. En cualquier caso, una cita ineludible (te guste más o menos el formato) para cualquier amante del género.

Lo mejor: El gran equilibrio de calidad entre todas las historias. El mensaje de “Time Out”, el despiporre visual de “It´s a good life” y la interpretación de John Lightgow en “Nightmare at 20.000 feet”. 

Lo peor:“Kick the can” sabe llegar al corazón (como no, viniendo de Spielberg), pero no pega ni con cola con el resto de historias.