Crítica: En los límites de la realidad

July 1, 2021, 1:03 pm

EL RECTOR NOS HABLA SOBRE UNA DE LAS MÁS GRANDES ANTOLOGÍAS PARIDAS EN LA HISTORIA DEL FANTÁSTICO

“The Twilight Zone: The Movie” (1983) significó el salto a la gran pantalla de una de las series más míticas del terror y la ciencia ficción de las décadas de los cincuenta y sesenta. No se quedó ahí, pues el aclamado show tuvo continuación en los ochenta, con una segunda etapa e incluso se ha extendido hasta el siglo XXI, a principios del 2000 con su tercera edad y hace un par de años, con su última andadura hasta la fecha. Steven Spielberg fue el encargado de producir esta ambiciosa empresa, reuniendo a tres cineastas pertenecientes a la élite del fantástico como John Landis, Joe Dante y George Miller, sumados al propio Spielberg, quien también dirigiría uno de los segmentos.

“Steven Spielberg fue el encargado de producir esta ambiciosa empresa, reuniendo a tres cineastas pertenecientes a la élite del fantástico como John Landis, Joe Dante y George Miller”

“The Twilight Zone: The Movie” (“En los límites de la realidad”, título español) forma parte, desgraciadamente, de esa categoría negra de la historia del cine, de las denominadas “películas malditas de Hollywood” (no sería la primera vez en la carrera de Spielberg que uno de sus proyectos era devorado por la controversia). Imposible olvidar el trágico accidente de helicóptero durante el rodaje que terminó con la vida del actor Vic Morrow y dos niños, estos últimos además, participando de manera ilegal, lo que derivó en un largo contencioso legal del que finalmente, terminó saliendo indemne el director John Landis.

Historia negra aparte, la película se cuenta hoy, sin ningún lugar a dudas, entrelas grandes antologías fantásticas del género, al nivel de otros clásicos del formato como “Creepshow” (1982) o “Cat´s Eye” (1985). Compuesta por cuatro historias, la primera de ellas, “Time Out”, de Landis (quien también dirige ese inolvidable prólogo con Dan Aykroyd), es la única original, pues las tres restantes son adaptaciones de episodios clásicos de la serie. Landis (“Un Hombre Lobo Americano en Londres”) rueda una dura crítica contra el racismo y la xenofobia en un relato que respeta de manera marcial las normas del show televisivo y nos pone en la piel de un convincente Vic Morrow a modo de tan inesperada como oportuna herramienta de denuncia social. Landis mueve los hilos de su bufón a través de dispares set pieces y momentos históricos de lúgubre ambientación y aterrador trasfondo (por cuestiones entendibles, se eliminó la secuencia del accidente), en el que es uno de los grandes encantos del segmento, más allá de su mensaje. La secuencia final, una puñalada metafórica contra la intolerancia que ya es historia del género.

“Historia negra aparte, la película se cuenta hoy, sin ningún lugar a dudas, entre las grandes antologías fantásticas del género”

Curiosamente, es un habitual visionario del género como Spielberg, quien interpreta en esta ocasión el papel de eslabón débil de la cadena filmando la menos interesante de las historias, una revisión de “Kick the can”, capítulo de la serie clásica. El cineasta se aleja del tono terrorífico del resto de la antología, para acercarnos a tesituras fantásticas de corte edulcorado, un cuento entrañable sobre la vejez de la carne y los huesos y la eterna juventud del alma con guiños a la obra de James Matthew Barrie incluidos, antesala de lo que años más tarde culminaría el propio director con ese inolvidable y épico viaje a la tierra de nunca jamás en “Hook” (1991), pieza indispensable del fantástico.

Ron Howard filmaría un par de años después su particular versión de “Kick the can” bajo el título de “Cocoon” (1985), uno de los grandes éxitos de la ciencia ficción de corte familiar de los ochenta. Volviendo a lo que nos ocupa, destacar la presencia del resplandeciente Scatman Crothers, quien tres años antes, había participado en “El Resplandor” (1980) y que, tres años más tarde, fallecería en su california natal. Una historia simpática para todos los públicos muy en la línea del cine Spielberg pero como digo, bastante disonante con el tono de la obra en su conjunto. Pero para eso está Joe Dante (“Aullidos”), para regresarnos al terror puro y duro con “It´s a good life”. Dante lo hace a su manera, conjugando con elegancia y eficiencia terror y comedia, muy al estilo de lo visto en obras de su filmografía como “Gremlins” (1984) o “No matarás al vecino” (1989). Un relato repleto de suspense marca de la casa y de una imaginería visual desbordante con los cartoons de los sesenta como leit motiv. Para aquellos que dudan de la compatibilidad de dos géneros a priori antagónicos como el terror y la comedia, aquí tienen un gran ejemplo de lo mucho que pueden hacer el uno por el otro, cuando se hace bien. Si el cierre de “Time Out” es un clásico, Dante y su chistera, nos dejan aquí un par de estampas para la posteridad.

“la combinación de cuatro talentos incuestionables y de fondo, el espíritu, la esencia, de la que sin duda es una de las mejores series fantásticas de la historia de nuestro amado género”

Y faltaba George Miller (“Mad Max”). En esta ocasión, lo mejor (o lo más recordado), para el postre. “Nightmare at 20.000 feet” es el corte más genuino de puro terror de esta “The Twilight Zone: The Movie”. Una historia llamada a ser de culto inmediato que sigue resultando tan perturbadora hoy, como aquella primera vez. Mucha de la culpa es de John Lithgow y de su fantástico trabajo. Una historia sobre los miedos, la paranoia y por supuesto, los mitos y leyendas del imaginario sobrenatural popular. Los gremlins, no los de Dante, los de las historias para no dormir que corrían entre los pilotos ingleses en la segunda guerra mundial y que hace dos pelos de culo Roseanne Liang llevó a la gran pantalla en la divertida “Shadow in the cloud” (2020).

La química entre Lightgow y su monstruo es brutal. La forma en la que el actor edifica en su personaje los tics de la paranoia, como mete y saca al espectador de su particular pesadilla con un gesto, con una mueca, es un auténtico espectáculo. Una montaña rusa de sensaciones amén de un ejercicio de estilo con denominación de origen de un actor que siempre se ha movido en la excelencia y que aquí, una vez más, lo borda. Broche de oro para una de las grandes antologías de terror de all the times, la combinación de cuatro talentos incuestionables y de fondo, el espíritu, la esencia, de la que sin duda es una de las mejores series fantásticas de la historia de nuestro amado género. Leyenda negra, un Spielberg meando fuera de tiesto y un prólogo y epílogo que siendo la mar de simpáticos, nos dejan, por potencial, con la sensación de que podrían haber dado para una quinta historia de tres pares de cojones. En cualquier caso, una cita ineludible (te guste más o menos el formato) para cualquier amante del género.

Lo mejor: El gran equilibrio de calidad entre todas las historias. El mensaje de “Time Out”, el despiporre visual de “It´s a good life” y la interpretación de John Lightgow en “Nightmare at 20.000 feet”.

Lo peor:“Kick the can” sabe llegar al corazón (como no, viniendo de Spielberg), pero no pega ni con cola con el resto de historias.

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Crítica: Lucky

July 4, 2021, 4:34 am

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MISTER MOLOKO NOS HABLA SOBRE EL METAFÓRICO SLASHER DE NATASHA KERMANI PROTAGONIZADO POR BREA GRANT

Vamos con el primer tópico; el cine, como manifestación artística y medio de comunicación de masas, siempre ha reflejado en sus obras aquellas inquietudes sociales, culturales y políticas presentes en la sociedad. Segundo tópico: el cine de terror, por sus particulares características intrínsecas, ha sido el género ideal para plasmar en imágenes dichas inquietudes. Desde el expresionismo alemán, que anticipaba una época muy oscura y desesperanzada para la Alemania de los años treinta, pasando por la ciencia ficción de los cincuenta, reflejo del miedo al enemigo comunista y a la amenaza nuclear, y llegando a la época actual, con películas centradas en crisis pandémicas de diversa índole (y lo que te rondaré morena), nuestro amado género ha sido el reflejo, más o menos distorsionado, del devenir social de más de un siglo de historia.

“La temática del empoderamiento femenino y la problemática de los abusos, maltratos o discriminación por razones de género, la tenemos en infinidad de películas recientes”

Si en la actualidad, Covid mediante, tuviéramos que decir que dos temas están más presentes en el imaginario social colectivo, estos serían sin ningún género de dudas la lucha contra el racismo y la reivindicación sobre la igualdad de género planteada desde la perspectiva (real) de las discriminaciones (en plural) que sufren las mujeres. Movimientos como el Black Lives Matter o el Me Too serían dos fenómenos muy representativos de todo ello y que están creando estados de opinión y proporcionando argumentos para la reflexión crítica sobre lo que queremos ser como sociedad.

Respecto al tema del racismo lo hemos visto reflejado en la obra de Jordan Peele, en una película interesante como “Casa ajena” (2020), en la muy floja “Antebellum” (2020) o en series como la decepcionante “Lovecraft Country” o la estimable “Them”. La temática del empoderamiento femenino y la problemática de los abusos, maltratos o discriminación por razones de género, la tenemos en infinidad de películas recientes. Por poner algunos ejemplos que he visto últimamente estaría la excesiva y divertida “Shadow in the cloud” (2020), la fallida “Violation” (2020), la muy interesante “Jakob's Wife” (2021) o esta “Lucky” (2020) que aquí nos ocupa.

¿Es necesaria una cierta perspectiva de género a la hora de analizar esta película? Sinceramente no lo sé. Teniendo en cuenta que este es un proyecto realizado, escrito y protagonizado por mujeres que aborda una temática tan delicada y preocupante como es la violencia de género, imagino que las impresiones sobre la cinta pueden variar en función de los ojos que la miran. Por muy concienciado que uno esté sobre el tema y por mucho que se reivindique como una persona preocupada por los micro y macro machismos, lo cierto es que siempre existen matices, pequeños detalles y enfoques que, por mi inequívoca mirada masculina, se me pueden escapar. Y es que este es un producto que dejando de lado su adscripción al género fantástico, busca mandar un mensaje contundente y denunciar una realidad social que afecta a las mujeres. En eses sentido no le puedo poner ni una coma. Ahora bien, si lo valoro como producto cinematográfico…. ahí es donde le encuentro muchos más problemas. Pero vayamos por partes.

“un producto que dejando de lado su adscripción al género fantástico, busca mandar un mensaje contundente y denunciar una realidad social que afecta a las mujeres”

“Lucky” nos narra la historia de una mujer que cada noche es atacada en su casa por un extraño enmascarado que, aunque siempre acaba muriendo, vuelve a presentarse a la noche siguiente como si nada hubiera ocurrido. Siguiendo una estructura argumental claramente inspirada en el slasher (el villano es un asesino implacable cubierto con una máscara y preferencia por las armas blancas), la película nos va sumergiendo en el progresivo desconcierto de la protagonista que no entiende ni lo que le pasa ni lo que motiva a tan siniestro personaje. Además su marido, tras la enésima pelea, ha abandonado el hogar dejándola sola ante el peligro.

Aunque la situación inicialmente planteada carece de toda lógica racional, las autoras tienen la habilidad de plantar una semilla de incertidumbre en los espectadores que genera una innegable atracción por todo lo que sucede en pantalla. En ningún momento existe la intención de ocultarnos que estamos ante una evidente metáfora puesta en imágenes, pero el gran acierto es que todo ello esta contado siguiendo los estándares del género y desarrollando una trama bastante bien hilvanada que logra generarnos tensión y nos despierta el interés sobre la identidad e intenciones del psicópata homicida. Vamos, que lo que vemos no tiene, a priori, demasiado sentido pero queremos saber como sigue la cosa. ítem más: una muy buena caracterización de los personajes (la protagonista es una escritora de libros de autoayuda pensados para mujeres e incapaz de gestionar bien su propia vida) ayuda a que la historia, en su primera mitad, discurra con fluidez.

“En ningún momento existe la intención de ocultarnos que estamos ante una evidente metáfora puesta en imágenes, pero el gran acierto es que todo ello esta contado siguiendo los estándares del género”

El gran problema es que a partir de la segunda mitad da la impresión de que a las autoras se les han acabado las ideas y empiezan a repetir esquemas y situaciones que no aportan nada. La cosa llega a un punto en el que parece que no saben muy bien a donde se dirige la película y aplican la peor decisión que se puede tomar en estos casos: utilizar la brocha gorda. Así escenas como las del parking, muy loable en su mensaje pero, se mire como se mire, sumamente ridícula en su resolución, anticipan un desenlace tan previsible como decepcionante. Y es una lástima ya que su propuesta inicial era muy interesante y su atractivo planteamiento, con un guion un poquito más elaborado y sin ese énfasis por subrayar, hubiera quedado muy resultón. Y reitero, no es un problema de intenciones, encomiables, ni del punto de partida (integrar los esquemas argumentales del slasher en una historia que trata la problemática de la violencia de género) francamente innovador; su principal hándicap es no haber sido capaz de seguir desarrollando la historia sin caer en el subrayado innecesario y en un concepto de denuncia machista que parece, con todos mis respetos, feminismo de Twitter.

Dice la sabiduría popular que el infierno está sembrado de buenas intenciones. ¡Y a fe mía que esta película las tiene! ¡Y necesarias! Pero creo que si tomas una decisión artística debes ser consecuente con la misma y no caer en lo obvio, en lo fácil, en lo evidente, en lo maniqueo. Y sí, el mensaje nos queda muy claro (las mujeres siempre han tenido y tendrán que luchar contra maltratadores) pero eso mismo también nos hubiera llegado respetando las expectativas que has creado en los espectadores. Y si lo que quieres es contar algo explícito y directo, lo mejor es plantear una historia como han hecho los responsables de la TV Movie “Jacqueline Sauvage: ¿víctima o culpable?” (una película a la que mi madre y mis tías han definido como muy triste y muy bonita) Pero si juegas a otra cosa, y “Lucky” claramente pretende hacerlo, lo que no puedes es cambiar las reglas del juego y ponerte a gritar con un megáfono cuando hasta el momento estabas apelando a la inteligencia y capacidad de reflexión de los espectadores. Eso es hacer trampas. Y es que, parafraseando más o menos a Marshall McLuhan, el medio también debe ser el mensaje.

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Crítica: La Guerra del Mañana

July 5, 2021, 12:30 pm

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DONNIE NOS HABLA SOBRE VIAJES EN EL TIEMPO Y GUERRAS IMPOSIBLES CON STAR-LORD COMO MAESTRO DE CEREMONIAS

La guerra del mañana de Chris McKay póster

No me convencen los primeros minutos de esta película. De alguna manera el recuerdo de 'Greenland: El último refugio' (2020) está demasiado presente, y aunque la cinta de Ric Roman Vaugh me gustó, creo que hubiera mejorado con unos cuantos minutos menos. Al ver que 'La guerra del mañana' (2021) dura casi dos horas y veinte, la sensación de volver a estar ante una película que va a acabar saturándome hace que me plantee si no sería mejor ver otra cosa.

“no deja de ser un pastiche de ideas y escenas de otras películas, pero da igual, porque la sensación que tuve, al menos yo, es que todo estaba hecho con mucho respeto”

Yvonne Strahovski en La guerra del mañana amazon

No brilla la cinta de Chris Mckay precisamente por su originalidad. Tiene esta muchos detalles, guiños o como queramos definirlo que hemos visto mil veces antes pero que están rodados de tal manera que consiguen tener su encanto, que consiguen ganarse nuestra simpatías. Tampoco tiene unos personajes muy elaborados ni esa es su intención a pesar de esos atisbos de drama tan recurrentes en este tipo de producciones y que sin duda son los momentos más flojos de esta película haciendo que resulte un tanto irregular.

Y tampoco los chistes tienen demasiada gracia aunque en este caso, ese personaje simpático que la mayoría de las veces acaba saturándonos, aquí resulta hasta entrañable. Tampoco la estructura de esta película es algo que nos vaya a sorprender: Ni por el hecho de jugar con los viajes en el tiempo de una manera que nos descoloque y no entendamos, ni tampoco por el de no dejar de estar ante una cinta que se basa en ir narrando las distintas misiones que podríamos ir realizando si esto fuera un videojuego y manejáramos al personaje interpretado por Chris Pratt. Los aficionados a los videojuegos y aquellos que no lo sean estoy casi seguro de que también, podrán dividir la historia en esas diversas misiones sin ningún tipo de problema.

“La guerra del mañana es una cinta hecha para mayor gloria de Chris Pratt. Lo sabe, se gusta y se divierte. Se nota que el actor está cómodo y eso transmite”

Pero tras sus primeros minutos, tras esos momentos en los que se nos presenta a los personajes, en la que se hace presente la previsibilidad de ciertas ideas, 'La guerra del mañana' se convierte en una muy entretenida cinta de acción, con un diseño de los monstruos realmente notable y con una sucesión de disparos que harán las delicias de más de uno y harán que por momentos pensemos que a Mckay le gusta mucho el 'Heat' (1995) de Michael Mann. 'La guerra del mañana'no deja de ser un pastiche de ideas y escenas de otras películas, pero da igual, porque la sensación que tuve, al menos yo, es que todo estaba hecho con mucho respeto. Y si además a eso sumamos que el resultado es muy entretenido, pues... ¿Qué mas queremos? Igual un poco menos de duración, igual un arranque más potente, menos forzado, chistes que hagan gracia y que se deje de abusar de eso que dijo creo que Chejov:'Si en el primer acto tienes una pistola colgada de la pared, entonces en el siguiente capítulo debe ser disparada. Si no, no la pongas', algo que hace que alguna escena chirríe un poco.

Dejando de lado lo bien que nos lo hemos pasado, todo en 'La guerra del mañana' resulta un tanto ridículo. Desde ese ex-militar científico que quiere trabajar como profesor de instituto, hasta los motivos que llevan a reclutar a todo tipo de personas para luchar contra una raza alienígena. Si esperáis que alguien como yo coja una metralleta y pueda intentar hacer algo que no sea correr y chillar de forma histérica, lo lleváis claro. Si yo soy vuestra última esperanza, daos por jodidos. Pero creo que todo da igual, nadie se ha planteado si los personajes son creíbles o si están bien desarrollados, si todo está debidamente o medianamente justificado; se quería hacer una película de acción que entretuviera al personal y desde luego se ha conseguido. Durante el visionado de 'La guerra del mañana' y ahora al escribir, además de 'Greenland: El último refugio' también me vino a la cabeza la bastante prescindible 'Nación Cautiva' (2019). Es cierto que ambas cintas a pesar de narrar como el mundo está a merced de una extraña raza alienígena y como se intenta luchar contra ella, juegan en distintas ligas. Pero mientras la película de McKay se convierte en un espectáculo muy entretenido, la de Ruppert Wyatt acaba resultando demasiado soporífera y lo que es peor de todo, total y absolutamente previsible, y también prescindible.

“una cinta irregular pero en su conjunto muy entretenida, donde las escenas de acción están muy por encima de los momentos dramáticos o intimistas”

Chris Pratt en película de ciencia ficción

'La guerra del mañana' es una cinta hecha para mayor gloria de Chris Pratt. Lo sabe, se gusta y se divierte. Se nota que el actor está cómodo y eso transmite. Y algo parecido se puede decir de J.K Simmons. Es una lastima que Betty Gilpin que tanto nos gustó en 'La caza' (2019) de Craig Zobel quede relegada a un papel meramente anecdótico. Esperemos volver a ver pronto a la actriz en un papel en el que pueda brillar.

'La guerra del mañana' es una cinta irregular pero en su conjunto muy entretenida, donde las escenas de acción están muy por encima de los momentos dramáticos o intimistas y que hacen que estos segundos rompan un tanto el ritmo y el nivel de la película. No hay mucha lógica ni sentido en aquello que nos están contando, pero da igual, esta es una de esas cintas rodadas para que pasemos un buen rato y al menos conmigo lo han conseguido. Y no pido otra cosa de 'La guerra del mañana', ya habrá tiempo de ponerse más exquisito.

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Crítica: Dearest Sister

July 8, 2021, 12:42 pm

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NELLIE VANCE NOS HABLA SOBRE EL SEGUNDO TRABAJO DE MATTIE DO, PRIMERA PELÍCULA DIRIGIDA POR UNA MUJER EN LAOS

“Dearest Sister” (2016) es la segunda película de Mattie Do, quien con su estreno se convirtió en la primera mujer en dirigir un largometraje en Laos. La película se nutre de una mezcla de géneros y una estética entre el melodrama sobrenatural y el art film para contarnos la historia de Nok (Amphaiphun Phommapunya) una joven de la zona rural de Laos que se muda a la gran ciudad para cuidar de una de sus primas, Ana (Vilouna Phetmany) que está perdiendo la vista. Nok pronto va descubriendo que los ataques de ceguera de Ana tienen alguna conexión con lo sobrenatural.

“la mezcla de géneros no me ha convencido demasiado. Desde mi perspectiva, el aspecto dramático tiene un peso mucho mayor que el horror”

primera película rodada por una mujer en Laos

Do construye una película muy afincada en su especificidad cultural, pese a que muchos de los ejes temáticos son cuestiones universales. Por un lado, la diferencia de clases sociales, la pobreza, la superstición y la conexión con lo sobrenatural parecen mostrarse desde una fuerte perspectiva de identidad nacional. Por otro lado, los sentimientos de rechazo, falta de pertenencia y la ambigüedad de los personajes son preocupaciones humanas que permiten empatizar con la parte dramática de la cinta.

“el trabajo de cámara, el uso de la luz y el ritmo (conscientemente pausado) son sólidos y trabajados, convirtiendo la estética sucia y oscura en una de las mejores cosas de la cinta”

Reconozco que la mezcla de géneros no me ha convencido demasiado. Desde mi perspectiva, el aspecto dramático tiene un peso mucho mayor que el horror, que si bien no se limita a las apariciones sobrenaturales, si que se construye en gran parte desde la esfera social de la cinta. El verdadero horror viene dado por la desigualdad social y las consecuencias en las relaciones humanas, especialmente en la ambigüedad moral de la protagonista. Do consigue que conectemos y empaticemos con las acciones de todos los personajes, sin duda uno de los puntos fuertes de la película. Sin embargo, la sensación última es que el terror no termina de emerger, y el clímax de la película resulta un tanto decepcionante para los que esperábamos algo un poco más desquiciado.

“merece la pena darle una oportunidad por su carácter singular, especialmente si estáis interesados en el cine oriental y sus particularidades culturales”

Técnicamente sorprende que se trate del segundo largometraje de la directora, pues el trabajo de cámara, el uso de la luz y el ritmo (conscientemente pausado) son sólidos y trabajados, convirtiendo la estética sucia y oscura en una de las mejores cosas de la cinta. Estos elementos generan una atmósfera incómoda que busca conectar con la perspectiva de Nok y con su sensación de desubicación: esa sensación de no terminar de entender qué se espera de ti, cómo deberías comportarte, qué papel debes cumplir, el sentimiento de moverte en un espacio en el que no tienes una función clara.

Este énfasis en el aspecto social y sus implicaciones humanas, tan propio del cine oriental de los últimos años, puede resultar decepcionante si buscamos una película más tradicional, pues como ya digo el trasfondo social-dramático domina la cinta en gran medida (al margen del cine oriental, recuerda en muchos aspectos a “Hard Labor” (2011), de Marco Dutra y Juliana Rojas, aunque ésta última tenía una estética más costumbrista que melodramática). En resumen, merece la pena darle una oportunidad por su carácter singular, especialmente si estáis interesados en el cine oriental y sus particularidades culturales.

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Crítica: Meandre

July 10, 2021, 5:13 am

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EL RECTOR NOS HABLA SOBRE EL SEGUNDO TRABAJO DE MATHIEU TURI Y FUERA DE TODO PRONÓSTICO, CON CIERTO TUFILLO A CLÁSICO

Mathieu Turi apuntó cositas en aquella ópera prima suya de título “Hostile” (2017). Servidor pudo verla en el marco del festival de Sitges y bueno, quedó, me quedó, la sensación de que la película ofrecía mucho más como experiencia dramática/romántica, que en todo aquello que tenía que ver con la parcela del terror, un ídem post-apocalíptico cogido con pinzas y Javier Botet mediante, que por sí solo, carecía de mayor interés del de ver a nuestro monstruo más universal un día más en la oficina. El cineasta francés regresa ahora con su segundo trabajo, “Meandre” (2020), y es, lo digo ya, una de las grandes películas de terror a descubrir este año (aunque muchos ya pudieron disfrutarla en el pasado Sitges, donde cosas de la vida, parece ser que pasó de puntillas sin hacer excesivo ruido).

“una experiencia que salta por los aires el estancamiento de una fórmula, la de ese terror onanista nacido de la costilla del Buried (2010) de Rodrigo Cortés, que a día de hoy, parecía haber tocado fondo”

Tenía ganas de volver a disfrutar de verdad con el antaño glorioso terror galo. Desde “Crudo” (Julia Ducournau, 2016) o "Revenge" (Coralie Fargeat, 2017) y ya con lo nuevo de los Bustillo y Mauri en la óptica de la mira tras pasar sin pena ni gloria con “Kandisha” (2020), que no teníamos un material tan potente entre manos. Viendo “Hostile”, resulta increíble el evidente salto de calidad ofrecido por Turi en “Meandre”, una experiencia que salta por los aires el estancamiento de una fórmula, la de ese terror onanista nacido de la costilla del “Buried” (2010) de Rodrigo Cortés, que a día de hoy, parecía haber tocado fondo. Sin ir más lejos, que se lo pregunten a otro producto de la tierra, por más adulterado que esté, como Alexandre Aja, quien lo intentó recientemente con “Oxygen” (2021) y si bien no pereció en el intento, tampoco es que le sirviera para revitalizar su perjudicada carrera.

Sé que el personal empieza a estar agotado de este tipo de propuestas y que a priori, acercarse a “Meandre” teniendo en cuenta los antecedentes puede generar alguna que otra duda razonable. Y una punta de cipote. Corred hacia lo nuevo de Mathieu Turi y apuntad bien su nombre, pues ahora sí, tiene pinta de que ha llegado para quedarse y para sumarse a ese nuevo cine de terror francés que poco a poco, parece que intenta volver a enseñar las uñas. Y eso que Turi, quien también pone la firma en el guion, no inventa absolutamente nada. De hecho, los referentes de un título tan cristalino como “Meandre” son tan evidentes, que casi ni merece la pena pararse a pensar en ello. Tan fácil como coger la ópera magna de don Vincenzo Natali (hablando de capas caídas) y rellenar con cualquiera de toda esa prole de títulos de terror claustrofóbico del que os hablaba. Pero no solo de ese, aquí las nalgas dan un poco más de sí y no sería para nada descabellado acordarse de cosas muy gordas como la propia “The Descent” (Neil Marshall, 2005) y es que en cuanto a punch, “Meandre” no tiene nada que envidiar al clásico del terror británico moderno.

“Mil y una putadas exportadas directamente del torture-porn y puestas aquí, al servicio de un survival asfixiante de ritmo trepidante, por más que su premisa apuntase hacia otras latitudes”

De nuevo, el cine de terror vuelve a poner en entredicho con “Meandre”, la importancia real o peso específico que realmente tiene la historia y el guion, en determinado tipo de producciones. Si el sujeto de estudio es el que nos ocupa, que lo es, yo lo tengo claro, ninguna. No hay nada en este sentido que destaque en la película de Turi. Una “Cube” (1997) más estrecha y con un (o casi) único personaje. Ni más ni menos. Y es que “Meandre” alcanza sus mayores cotas de diversión cuanto más simple resulta todo. Acostumbrados a ese terror de nueva cuña de alta elaboración y que se esfuerza en rehusar etiquetas (ojo, el cual soy el primero de la clase en disfrutar) donde todo resulta tan retorcido y subjetivo que el espectador necesita mil y una vueltas para terminar llegando al mismo sitio, una propuesta como la de Turi, cristalina desde el minuto uno, directa a la yugular y ajena a cualquier tipo de artificio narrativo o estético, ya tiene, por rara avis, mucho ganado.

La película hace gala de una mala leche que roza lo erótico. La manera en la que mete una y otra vez el dedo en la llaga hasta tocar el mismísimo hueso, el cómo, partiendo de unas reglas muy básicas y ya preestablecidas, consigue no dejar de sorprender ni un solo instante, hacen imposible que el respetable no se preste gustoso a tal ejercicio de masoquismo. Mil y una putadas exportadas directamente del torture-porn y puestas aquí, al servicio de un survival asfixiante de ritmo trepidante, por más que su premisa apuntase hacia otras latitudes. Esta particular prueba de humor amarillo ideada por Turi, satisfará a los amantes de las emociones fuertes y sin ningún lugar a dudas sabrán disfrutar con el impagable sufrimiento de Gaia Weiss.

“Gaia Weiss ofrece mucho más que un despliegue físico descomunal, también un interpretación dramática brillante. Se puede decir que se entrega a la causa en cuerpo y alma”

Y ahí nos paramos en el otro gran valor del filme, el pequeño gran faro que ilumina todo esta gran oscuridad en el descomunal trabajo de su protagonista. Gaia Weiss brilla con luz propia y ofrece mucho más que un despliegue físico descomunal, también un interpretación dramática brillante. Se puede decir que se entrega a la causa en cuerpo y alma. La actriz, nos llevará de la mano por todo ese viaje de emociones extremas, de asfixia, claustrofóbia y viñetas imposibles, que es “Meandre”. Se dejará la piel en ello... literalmente.

Cierto es que cuando se esfuerza en ofrecer respuestas (quizás un error), de dar luz a aquellas cosas que en la premeditada ignorancia, tan bien le funcionó a Natali, el relato pierde algo de fuerza. Curiosamente, este segundo trabajo de Turi flaquea en la parte donde más se sostenía su “Hostile”, la dramática y, por contra, brilla donde aquella resultaba irrisoria. Cosas de la vida, o del cine. Si me preguntan yo habría obviado algunas de las cosas que el director guionista se empeña en explicar, pues pienso que la imaginación del espectador le hubiera hecho el trabajo, seguramente mejor, encantada. Pero ante semejante chute de adrenalina, inequívoca aureola de genuina serie b de terror y siempre con el embriagador halo de la ciencia ficción como telón de fondo, poner la lupa en determinados aspectos me parece una auténtica estupidez. Aquí no aplica. Si queréis disfrutar pasando un mal rato de verdad, de hacerlo además con acento francés y olisqueando ese tufillo que emanan esas películas predestinadas a perdurar, a terminar siendo más, de cabeza a por “Meandre”.

Lo mejor: Gaia Weiss. La sobresaliente puesta en escena, grandes efectos especiales y un ritmo frenético que, aplicado a la fórmula, parece llegado de otro planeta.

Lo peor: Algunos pasajes dramáticos están por estar y al desenlace, le falta ese punto de “magia” de las grandes ocasiones.

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Crítica: Till Death

July 12, 2021, 11:55 am

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MISSTERROR NOS HABLA SOBRE EL REGRESO AL TERROR DE MEGAN FOX EN EL DEBUT DE LARGO DE S. K. DALE

¿Alguien sabe cuántos pensamientos pueden pasar por nuestra cabeza en los primeros minutos de una película? Lo acabo de calcular y la respuesta es asombrosa… No, esto no es el gancho para un clickbait, sino algo que tenía ganas de conocer justo al terminar de ver “Till Death” (2021) para compartir en este espacio. Se calcula que la mente humana es capaz de llegar a tener unos 60.000 pensamientos al día, aproximadamente. Por una sencilla regla de tres he calculado que, durante los veinticinco primeros minutos de esta película, yo podría haber tenido unos 1.401 pensamientos diferentes. Esto es algo que no ocurrió y por esa maravillosa impredecibilidad humana, tumbé toda esta teoría con el fantástico récord de tener un solo pensamiento durante todo este tiempo. Este pensamiento recurrente no fue otro que “Esto es un telefilm chungo”. Imaginad lo que suponen veinticinco minutos a solas con este pensamiento.

“plantea una de las venganzas más retorcidas que se han visto últimamente en los thrillers y ese título no se lo puedo quitar por más que pueda quejarme de otros aspectos”

El inicio de “Till Death” es uno de los máximos exponentes del anti erotismo en el thriller. Escenas sacadas de cualquier película de una sobremesa de fin de semana para ilustrar un misterio que arranca desde la pereza que genera el darse cuenta de que nos la han vuelto a colar con el recurso cinematográfico más antiguo del mundo: el reclamo de ver al famoso de turno (normalmente venido a menos) pasándolas putas. En este caso, el canto de sirena al que doblegarse venía de la resurgida Megan Fox.

“Till Death” nos emplaza al aniversario de un matrimonio con evidentísimos problemas de pareja. En este inicio, Emma (Megan Fox) se nos presenta como una mujer infiel herida y perdida. Claramente subyugada por un marido controlador y posesivo, Emma se ve envuelta en una situación inimaginable al día siguiente de la celebración de ese aniversario. A los veinticinco minutos de que el espectador unineuronalmente no haya dejado de pensar que “Till Death” no es el thriller que iba buscando, ocurre algo que Emma no hubiera visto venir en mil años y nosotros tampoco. Giro sorprendente para empezar a encauzar la trama y de paso el tono de la película. Sorpresa y modo interés on activado desde ese momento. Liberada la idea del telefilm, queda por delante el survival de suspense que esperábamos, en medio de un lugar surgido de una nada gélida con una Megan Fox en una posición de la que pocas personas hubieran salido airosas (a no ser que te llames Carla Gugino).

“Megan Fox, que nunca ha destacado por su capacidad interpretativa, lleva todo el peso de la película y creedme que cuando digo todo, es literalmente todo”

Podríamos decir aquello de que esta película va de menos a más, pero es que con ese inicio por poco que se hubiera hecho, ya estaríamos hablando de pasos de gigante. La buena noticia es que esto, sorprendentemente, va de menos a mucho más (al menos en cuanto a ideas se refiere) “Till Death” nos plantea una de las venganzas más retorcidas que se han visto últimamente en los thrillers y ese título no se lo puedo quitar por más que pueda quejarme de otros aspectos de la película. El problema es que para conseguir dar forma a esas buenas ideas que la película siembra, casi todo sale regular tirando a mal y lo que prometía ser una interesante película se convierte en un exploit de Megan Fox.

Megan Fox, que nunca ha destacado por su capacidad interpretativa, lleva todo el peso de la película y creedme que cuando digo todo, es literalmente todo. El inconveniente de esto no es que sea una mala actriz, el problema es que, durante una hora y media, Megan Fox tiene la misma cara de la extrema sensualidad de quien se siente deseada 24 horas al día y aporta a su personaje un único matiz: mujer seductora. Si está desesperada es seductora, si está en peligro es seductora, si tiene sed es seductora, si se está congelando es seductora, si está a punto de morir, super seductora. Megan Fox se convierte en la versión femenina de Dani Trejo y esto tira por la borda cualquier momento dramático que pudiera enfatizar la tensión propia de un thriller. El resultado es que una trama con tanta incertidumbre como se nos quiere vender, termina haciéndose plana e incapaz de generar ninguna sensación de angustia. “Till Death” desaprovecha su capacidad para vender emociones fuertes y servirse de un buen planteamiento. En su lugar, tira de cara famosa como estrategia comercial y se olvida de poner atención y dar algo de vida a un guion que deja más agujeros que un panal de abeja, porque ojo con esto que no todo es culpa de escoger a Megan Fox para defender la película.

“Megan Fox se convierte en la versión femenina de Dani Trejo y esto tira por la borda cualquier momento dramático que pudiera enfatizar la tensión propia de un thriller”

Otra cuestión con la que lidiar en “Till Death” son los fallos argumentales, que pueden ser más o menos graves dependiendo del nivel de exigencia que tengáis en esto, pero que son tan visibles que pueden hacer que el espectador desconecte de la realidad que el nobel director, Jason Carvey había preparado. Entiendo que si todos estos “descuidos” se hubieran tenido en cuenta no habría película. Entiendo también que el cine de género está repleto de estas licencias artísticas y muchas veces no rechistamos, pero en “Till Death” está en juego la credibilidad y soy consciente de que estoy pidiendo credibilidad a un thriller que juega con el doble tirabuzón mortal, pero hay unos mínimos que no debemos dejar de exigir para poder entrar en la trama y disfrutar con ella.

Con sus luces y sus sombras, como casi todo en la vida, ya depende de cada uno (y de lo benevolente que esté ese día) el valorar de una u otra manera esta película, pero lo cierto es que “Till Death” entretiene y cuando la acción toma protagonismo puede llegar a ser tan magnética como la boca perpetuamente entreabierta de Megan y sus espectaculares ojos. En el resto de pretensiones, se queda floja y por si fuera poco, para infundir tensión, Carvey se sirve de unos villanos que bien podrían haber estado sacados de “Solo en casa” (1990), con el único propósito de hacer los coros en el exploit Fox, pero con muy poca chicha. No cabe duda de que la película tiene truculencia y mala leche, pero se queda muy en la superficie y no se mete en el barro de una violencia gráfica que la nieve pedía a gritos (a excepción de una escena). La banda sonora ni enfatiza momentos ni molesta, una vez más se queda en una zona llana que poco aporta por lo que todo nos conduce a no darle demasiadas vueltas, entender su simplicidad y pasar un rato para dejar la mente en blanco. Conseguiremos que los más de 5.300 pensamientos que podrían haber desfilado en ese tiempo por nuestra cabeza, se queden en un lugar mejor.

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Crítica: The Midwife

July 15, 2021, 12:28 pm

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ASTINUS NOS HABLA SOBRE EL AUTÉNTICO TERROR QUE SE SE ESCONDE TRAS ESTE PÓSTER HOMENAJE A "LA SEMILLA DEL DIABLO"

AVISO SPOILERS“The Midwife” (2021) es una de esas películas algo inclasificables por la cantidad de cuestiones que podrían resaltarse en su breve recorrido de apenas ochenta minutos. No por la calidad de sus planteamientos sino, precisamente, por todo lo contrario. Cuando uno piensa en lo que implica un filme de Serie Z en pleno 2021 no puede dejar de atribuirle todas las características fundamentales a esta pequeña producción británica que arrastra tantos fallos estructurales como momentos de chiste. Una auténtica llamada de atención para ahorrar líneas a las personas que no quieran aventurarse en el inestimable recorrido que haremos diseccionando buena parte de esta. Y aseguro que merece la pena, por muy mal que suene, incluso darle una oportunidad cuando se llega al final de este análisis. Eso sí: solo si te sobra el tiempo y tienes una de esas tardes donde quieres ver cuán lejos puede llegar la falta de talento de no una, sino dos personas encargadas de la dirección.

“Más allá de la incapacidad de mantener un tono serio, de alojarse en el susto costumbrista mal ejecutado y de una dirección penosa demasiado amateur, la película adolece de cualquier sentido y gusto por intentar mantener una tensión decente”

Llama la atención que sean dos figuras las que levanten este producto tan poco bendecido, sin quedar otra explicación que el hecho de poder compartir responsabilidades. Y eso que su cartel (y tráiler, que religiosamente visualizo antes de adentrarme en una película) prometen mucho más de lo que dan. El primero por su cercanía (casi copia) de “Rosemary´s Baby” (Polanski, 1968), de la cual deberían haber tomado algo más que su referencia de diseño. Poco o nada tiene que ver con su contenido, salvando la figura de una protagonista embarazada embutida en la paranoia más desconcertante. Respecto al tráiler, tiene el arte de tomar lo poquito salvable, hacer un mejunje atractivo y darle un toquecito sonoro que ya quisiera la película para sí. Casi que son los dos elementos más destacados de la película, y eso que siquiera hemos empezado a verla.

Abre la misma con una escena in media res algo tortuosa en la que vemos a la que será nuestra protagonista intentando quitarse la vida. El plano nervioso augura lo que se repetirá el resto del metraje, una mano tambaleante que rezuma filmación doméstica (no creo que sea a conciencia, esto no es un mockumentary) y unos planos situados con poca capacidad compositiva. Esto lo observaremos tras la primera escena, en la que un mal encuadre nos presenta una bonita casa organicista en la que se desarrollará por completo la película. Conversaciones intrascendentes que siquiera presentan adecuadamente al dúo protagonista, una feliz pareja en la que todo parece ir bien, acompaña los primeros compases sin que pase absolutamente nada hasta que, salido de quién sabe dónde, aparece una matrona a la que nadie parece haber avisado para revisar el estado del neonato. Vestida con aires sesenteros y un cartel en la frente en la que se puede leer soy la ostia de malvada, la profesional (si es que puede decirse así) repasa el estado del bebé y acompaña con esa típica frase que no se cree ni ella misma de todo está bien. Será el momento en el que aparezca el cuarto personaje en escena, una amiga que parece estar muy unida a la pareja.

“Incluso con poco presupuesto, las escenas que podrían resultar más escabrosas están llenas de efectos insulsos con la lente o el clásico cambio de planos rápido”

Uno va mirando el móvil esperando que los minutos nos ofrezcan algo especialmente bueno, y no se hace de rogar: la protagonista tiene un aborto y empieza un intento de proceso de duelo patológico que ni está bien llevado, ni resulta creíble ni aporta otra cosa que no sea hastío. No es lo predecible de este, sino su continúa reiteración en el mismo modus operandi. Alucinación, no es real, estoy bien, alucinación, no es real, estoy bien. Así navegamos por el ecuador de la película mientras que la pareja y la amiga se lían porque, claro, la situación en casa es tensa (literalmente, así lo definen) Mientras esto pasa la protagonista vuelve a quedarse embarazada de nuevo (sorpresas del guion) y la matrona es invocada como por arte de magia para que siga, esta vez sí, el proceso desde el principio con métodos que ella misma define como “tradicionales” y que van desde la hipnosis hasta el meter mierda en el trío de personajes restante. Todo ello con una sobreactuación que quita el hipo.

Resulta que la protagonista, por si esto no fuese poco, ha querido guardar las cenizas de su bebé muerto para recordarle. Hasta aquí todo normal, pero quedémonos con este artefacto que tendrá un momento final grandioso. La protagonista acaba enterándose del romance de su pareja con la otra, y la matrona sigue metiendo mierda hasta convencerla de echar frutos secos en la comida con intención de ¿matar? a su pareja, a lo cual la otra accede. Todo sobre la marcha. Ambas no se molestan en machacar unos trozacos tan grandes como un dedo índice de señor grueso y echarlos a una salsa de tomate que luego comen todos sin que nadie se de cuenta de que esos trozos, insisto, enormes, están en la misma. Resultado: la pareja la palma por una especie de shock anafiláctico. Luego se cargan a la amiga/amante de este, y quedan al final la matrona y la protagonista, que parece no ser consciente de lo que ha hecho. No importa: la antagonista se encargará de decirle que quiere su hijo y que va a matarla también porque “insertar razón sin justificación alguna”. En una confrontación final en la buhardilla de la casa, decorada como la habitación de un recién nacido por que sí, la matrona va a asesinar a la protagonista cuando, de repente, llega el mejor momento de la película. De una cuna surgen unas cadenas que atrapan su cuello y la ahogan. Nunca vemos quién ha sido (el plano subjetivo es maravilloso, nótese la ironía), pero no importa porque la película nos lo aclara unos segundos después. La urna del bebé surge temblando ligeramente en el centro de la cuna. Sobran las palabras. Una urna ha sembrado justicia y ha protegido a su madre de una malvada matrona. ¿Se puede llegar a un nivel más alto? Desde luego. La protagonista sale y se abraza a la pareja y la amiga diciendo una frase lapidaria que en español sería algo así como el bebé viene en camino. Insuperable.

“Las interpretaciones acompañan la sensación con el resto de sus atribuciones. Sobreactuadas, cero convincentes y con una recitación de diálogos memorizados como si de un anuncio de cadena local se tratase”

Más allá de la incapacidad de mantener un tono serio, de alojarse en el susto costumbrista mal ejecutado y de una dirección penosa demasiado amateur, la película adolece de cualquier sentido y gusto por intentar mantener una tensión decente, una aclaración convincente y un mínimo de interés por lo que cuenta. No es que no se tome en serio a sí misma, es que parece parodiarse y burlarse sin rubor de lo patético de su planteamiento. Incluso con poco presupuesto, las escenas que podrían resultar más escabrosas están llenas de efectos insulsos con la lente o el clásico cambio de planos rápido como el siguiente: plano de la mujer viendo la urna al fondo en un encuadre medio; plano de los ojos de la mujer; plano de la urna rodando; plano de ella gritando. Demasiado duro para la mente.

Las interpretaciones acompañan la sensación con el resto de sus atribuciones. Sobreactuadas, cero convincentes y con una recitación de diálogos memorizados como si de un anuncio de cadena local se tratase. Y mira que Tiffany Ceris tiene experiencia en esto de la Serie Z, con casi una decena de filmes domésticos entre los que está “The Exorcism of Anna Ecklund” (2016) como su mejor pase, lo cual ya es decir. Si has llegado hasta aquí, enhorabuena. El repaso a la película es suficiente para plantearse un visionado rápido, de estos que saltas con el botón del ratón o el mando diez minutos de cada cuatro que ves. También se puede intentar analizar desde una lección tan importante como todo lo que no debes hacer cuando diriges una película de terror. O un buen repaso de la sobreactuación como forma de vida actoral. Quizás quieras disfrutar de ese final tan, hay que reconocerlo, poco agraciado como extremadamente rompedor. ¿Cuántas urnas has visto sujetar una cadena y ahogar a alguien? Merece la pena solo por eso.

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Crítica: In The Earth

July 17, 2021, 4:02 am

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ANDREA CATÁSTROFE NOS HABLA SOBRE EL NUEVO TRABAJO DEL SIEMPRE CONTROVERTIDO BEN WHEATLEY

Ben Wheatley es un cineasta británico que con el paso de los años ha demostrado que no es necesario "venderse" a la industria del cine para ser aceptado, al menos en su país. Desde sus humildes comienzos con cortometrajes animados y brevísimas ediciones de vídeo, de hecho es con el vídeo viral “A cunning stunt” (lo puedes encontrar en dailymotion) que es notado, a su paso por Hollywood con el remake (no muy exitoso) de Alfred Hitchcock, “Rebecca” (2020).

“Una premisa que nos remite al cine de terror más clásico, en el que un grupo de personas se adentrará al bosque para morir a manos de algún asesino o entidad sobrenatural”

En el transcurso de su carrera se han notado dos tipos de cine, uno mucho más convencional y claro, con mayor presupuesto: “Free Fire” (2016) o “High-Rise” (2015) con Tom Hiddleston, y otro tipo de cine más rústico y depurado: “Kill List” (2011), “Sightseers” (2012) o “A Field in England” (2013), sin duda, con mayor personalidad. Un tour-de-force negrísimo que deflagra entre el terror más oscuro y una psicodelia de tintes vanguardistas. ¿Qué todo esto suena extraordinario? No, no... es más complicado. No es un cine fácil de ver, tan complejo y enigmático como absurdo, depende del ojo que lo mire.

Su último largometraje, “In The Earth” (2021), concebido, escrito y producido durante la pandemia, bebe precisamente de estas características de autor, haciéndolo, desde ya lo comento, una película no apta para todos. Con miras al cine slasher, Wheatley lleva su terror atmosférico a un presente en donde una pandemia ha azotado al mundo, obligando a sus sobrevivientes a recurrir al aislamiento social, estrictos protocolos sanitarios y pruebas rápidas… ¿Bastante familiar, no? Su perspectiva, aparentemente más catastrófica respecto a nuestra realidad, ha virado la ansiedad a miedos más profundos y primitivos, generando un desapego por la ciencia a favor de las supersticiones, el misticismo y las ciencias ocultas.

“Por desgracia In The Earth no logra la originalidad o el bizarro atractivo de sus otras películas, tanto a nivel narrativo, de suspenso y cinematográfico”

La historia narra la llegada de Martin, un especialista agrícola, a las instalaciones de un centro de investigación ubicado a las afueras del bosque. El objetivo es por una parte, estudiar las características del suelo inusualmente fértil y a su vez, dar con el paradero de la Doctora Olivia Wendle, con quien yace su corazón y mente; la Dra Wendle meses atrás fue enviada a dicha región con el mismo objetivo que Martin, ¿Qué ha sido de ella? Nadie lo sabe. Una tarea difícil de lograr considerando que su hábitat natural es el laboratorio, pero afortunadamente contará como guía con la guardabosques Alma, experta en el terreno y la supervivencia al aire libre.

Una premisa que nos remite al cine de terror más clásico, en el que un grupo de personas se adentrará al bosque para morir a manos de algún asesino o entidad sobrenatural. Y por aquí va la historia… Sin embargo, no es tan común la propuesta de Wheatley. Inmersos en el bosque pronto nuestros personajes serán atacados anónimamente, heridos y sin recursos, tropezaran con Zach, un indigente que vive ilegalmente en el bosque. Más educado y amable de lo que se pensaría les brindará su ayuda, ¿Spoiler? no lo creo, es bastante obvio. Una ayuda que se arrepentirán de haber aceptado, ya que Zach tiene planes muy específicos para ellos y en pos de su adoración hacia la fuerza ominosa que reina el bosque; abatiendo la realidad a favor de la nigromancia y el folclor alemán del Siglo XV. Obligando a todo ser viviente por medios intangibles a permanecer lejos de su mundo enfermo. Un ceremonial de efectos caleidoscópicos, estroboscópicos y distorsiones auditivas.

“El guion se percibe desordenado, dejando sus mejores momentos a sus escasos estallidos de humor negro y gore, y al recuerdo alucinógeno de A Field in England, aunque está muy lejos de esa película”

Por desgracia “In The Earth” no logra la originalidad o el bizarro atractivo de sus otras películas, tanto a nivel narrativo, de suspenso y cinematográfico. Más allá de los recursos limitados con los que contó (en el pasado nos ha demostrado su director que no es un obstáculo) me parece que los defectos caen en el diseño de los personajes, son creíbles (nadie porta habilidades que no merezcan, en Martin tenemos el ejemplo más claro) pero son tan poco carismáticos que no consiguen despertar al menos mi interés. En cuanto al folclor, goza de una rica imaginería pagana (un monolito, artilugios de mimbre, incluso hay imágenes del Malleus Maleficarum de Kramer y Sprenger), pero se contrapone al factor humano, Wheatley se demora mucho en establecer el origen real de la amenaza, si es el humano en su delirio o aquella entidad ancestral.

El guion se percibe desordenado, dejando sus mejores momentos a sus escasos estallidos de humor negro y gore, y al recuerdo alucinógeno de “A Field in England”, aunque está muy lejos de esa película. Y es que también su lenguaje cinematográfico no ofrece nada que nos sorprenda, algunas tomas aéreas, seguidas de la cámara en mano en medio del bosque y una fotografía la mayoría de las veces austera, reduce el poderío visual del bosque, incluso parecería que estamos en una pequeña parcela, la nubosidad de su último tercio destaca, pero llega un poco tarde. Se agradece la sinceridad del proyecto y el apego del director y guionista a sus raíces. Aún así, creo que pocos que no conozcan el cine de Wheatley la disfrutarán, sugiero probar antes con la mencionada “A Field in England” o “Sightseers”, y si les ha conquistado, probar con “In The Earth”. Una película con su sello impreso, pero una obra menor en comparación al resto de su filmografía.

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Crítica: La Clásica Historia de Terror

July 19, 2021, 12:14 pm

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MISSTERROR NOS HABLA SOBRE LA REDENCIÓN EN CLAVE ITALIANA DE NETFLIX, REGALÁNDONOS UNO DE LOS GRANDES TERRORES DEL AÑO

Póster de la clásica historia de terror de netflix

¡Ni un solo día sin teorías sobre el cine de terror! Afortunadamente, cada día cientos de miles de personas teorizan sobre el cine de terror. En estas exposiciones nos encontramos profecías apocalípticas sobre el estado actual del género, nostalgia sobredimensionada, encumbramiento de los nuevos Mesías del horror, puntos de vista sobre absolutamente cualquier pequeño detalle de cada película pasada, presente y futura y la casi convicción de que estamos de vuelta de todo en lo que se refiere a este cine. Esta sobreinformación tiene tantos riesgos como beneficios, pero siempre que se habla tan en profundidad del cine en general o de alguna película en particular, se me queda una duda en el aire y me pregunto si el hecho de querer analizarlo todo y causar efecto en el lector influye a la hora de dejarnos llevar por la experiencia.

“En cuanto al casting, súper a favor de volver a ver a Matilda Anna Ingrid Lutz (Revenge) como final girl en lugares tan comunes”

Supongo que a estas alturas habréis leído ya opiniones de todos los colores sobre la película de la que yo también hablaré y tendréis ya una idea formada que o bien reafirme vuestra sensación tras los créditos finales, o bien os haya dado un motivo para reflexionar y quizá ver algo desde otra perspectiva. Yo no diré nada que no se haya dicho y supongo que esto también será “la clásica crítica de una película de terror”, pero sinceramente creo que “La clásica historia de terror” (2021) es el máximo exponente gráfico de todo lo que podamos decir o escribir sobre ella. Es lo que yo describo como hacer un “Eminen” para hacer de la autocrítica tu mejor arma y en este caso para invitar también a la reflexión.

Después de la interesante “Il Nido” (2019), Roberto de Feo vuelve a sentirse cómodo dirigiendo una película a dos manos (junto a Paolo Strippoli), rizando el rizo y descubriendo que está escrita por cinco guionistas, ¡ahí es nada! De entrada, creo que el verdadero reto de esta película es conseguir poner de acuerdo a tantas personas en tan diferentes y relevantes decisiones que se tienen que tomar para dar forma a un buen libreto y no haber salido peor parados que los personajes de la película. Una vez vista, parece claro que lo realmente interesante era justamente esa esquizofrenia de tener al menos cinco perspectivas diferentes sobre qué es una historia clásica de terror, cómo vendérselo al público y qué es lo que se quiere expresar. No hay dobles lecturas, “La clásica historia de terror” busca ser obvia y lanzar al aire muchísimas referencias de terror como si fuera el tiro al plato que pueda acertar hasta el más inexperto tirador. La estrategia nos puede gustar más o menos, pero no deberíamos criticar que lo que veamos sea un calco casi exacto de múltiples escenas clásicas de terror o cansarnos de las referencias explícitas a directores y películas de género porque justamente eso es el cómo se nos vende la película: como la clásica historia de terror que no quiere inventar nada, sino obrar para dos tipos de espectadores, los que creerán que esto ya lo han visto anteriormente y esta película no aporta nada y los que creerán que sí, que esto se ha visto anteriormente, pero que esa mezcla ingente de referencias mola porque son conscientes de que ese es el juego y si de paso se llevan alguna sorpresilla, bienvenida sea.

Yo directamente os digo que estoy en el segundo grupo y os digo que las referencias tratadas desde la lógica de la película, creo que incluso se quedan cortas. “La clásica historia de terror” se apoya en el cine de terror por dentro, por fuera y por los lados. No descubre ni inventa nada, solo expone y lo hace con la suficiente gracia como para conformar una trama que se sustente sin necesidad de trampas, con un giro final (porque cómo no, como en cualquiera historia clásica de terror tiene que haber un final twist) que va más allá de lo también obvio en este cine y que se reserva para el momento de los crédito la invitación a la reflexión sobre la violencia en el cine, el estado del cine de terror italiano (que puede ser perfectamente aplicable al español) y la distancia empática en la que cada día el ser humano profundiza más sin vergüenza alguna. De nuevo, reflexiones heredadas de otras tantas y tantas propuestas cinematográficas que han tratado cada uno de estos temas con más profundidad.

“si bien es cierto que tiene escenas destacables, hay demasiados momentos fuera de cámara que en el contexto en el que estaban engarzados hubieran tenido más impacto de haber sido totalmente explícitos”

Lo que hace realmente disfrutable a una propuesta como “La clásica historia de terror” es justamente el hecho de que no busca ser novedosa en absolutamente nada y es algo que deja claro durante todo el metraje. No es una explotation de ninguna película concreta, sino que es explotation de todo el catálogo de películas que podían abarcar en un entorno natural como el elegido. Es una explotación del género en sí mismo. Su pretensión es que disfrutes con toda esta mezcolanza y que como aficionado al género sepas apreciar, sin hastiarte, las obscenas ofrendas metacinematográficas con las que nos obsequian De Feo y Strippoli. Esto no es “La original historia de terror”, es “La clásica historia de terror” y como tal tiene que ser consciente de servirse de la originalidad de los pesos pesados del género para hacer una muy buena película de terror, no de buscar desvergonzadamente el cliché.

Para conseguir que la sátira no se vaya de las manos y termine siendo algo que realmente no es, esta propuesta debía tener unos elementos técnicos y artísticos bien calibrados y ajustados al presupuesto que, aunque haya producido Netflix, ha sido de tan solo tres millones de dólares. Obviamente debería haber habido una gran profusión de efectos especiales artesanos y en este aspecto, sí que creo que el presupuesto ha tenido bastante que ver, porque si bien es cierto que tiene escenas destacables, hay demasiados momentos fuera de cámaraque en el contexto en el que estaban engarzados hubieran tenido más impacto de haber sido totalmente explícitos. Aun así, creo que este apartado cumple más que dignamente y tiene momentos de cerrar los ojos.

la clásica historia de terror referencias

En cuanto al casting, súper a favor de volver a ver a Matilda Anna Ingrid Lutz (“Revenge”, Coralie Fargeat) como final girl en lugares tan comunes. Ella junto a Francesco Russo (Fabrizio), cargan con más peso que el resto del reparto, que también luce la mar de bien, para hacer de la transparencia una norma y que el espectador sienta y sepa que va siempre un paso por delante de la película, porque esa es la intención. Y de nada serviría un buen casting si en una propuesta como esta, no hubiera una buena fotografía que haga que la estética nos convenza desde los primeros compases. El tipo de iluminación mostrada en los momentos álgidos, la saturación y el uso de los tonos, especialmente el rojo, es uno de los puntos fuertes de “La clásica historia de terror”. Otro es la banda sonora creada por Massimiliano Mecheli para dar empaque a cada escena junto con una selección de cantautores italianos para que no se nos olvide que esto es terror italiano donde se nos muestra una particular historia de los fundadores de la mafia.

“una visión lo suficientemente amplia como para que todo fluya de una manera que mágicamente se convierte en orgánica y hace que todo cobre un sentido y una sencillez que se resume en una única y fundamental palabra: diversión”

Con todos estos elementos, el resultado podría haber sido abrumador. Demasiadas vías argumentales abiertas sin resolución contundente, demasiadas reflexiones a las que convidan sin profundizar en exceso en ninguna, quizá demasiados puntos de vista que irremediablemente hacen que la película pierda personalidad, pero con una visión lo suficientemente amplia como para que todo fluya de una manera que mágicamente se convierte en orgánica y hace que todo cobre un sentido y una sencillez que se resume en una única y fundamental palabra: diversión.

Para mí, “La clásica historia de terror” es un sí en toda regla y como ya os dije que esto iba a ser la clásica crítica de película de terror, aquí van todas las referencias que recuerdo de la película y que no he mencionado en la crítica (no sin esfuerzo): “The Ritual” (2017), “La Matanza de Texas” (1974), “Evil Dead” (1981), “Midsommar” (2019), “The Cabin in the Woods” (2011), “The Wicked man” (1973), “Revenge” (2017), “Las Colinas tiene ojos” (1977), “Kill List” (2011), “Cub” (2014), “Misery” (1990)... ¿Cuál me estoy dejando?

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"Love, death + robots" segunda temporada, Netflix continua apostando por la animación adulta

July 22, 2021, 12:43 pm

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ARTORIUS NOS HABLA SOBRE LA SEGUNDA TEMPORADA DE LA EXITOSA ANTOLOGÍA ANIMADA CREADA POR TIM MILLER

Con la segunda temporada de “Love, Death + Robots” me veo obligado, antes de su visionado, a hacerte un aviso mi querido lector. Ajusta las expectativas y, sobre todo, tu apetito. Porque si estás esperando la bacanal animada de la primera temporada y sus 18 episodios, en esta ocasión te vas a encontrar solamente con ocho bocaditos de animación. Una cantidad que, siendo como son cortometrajes, a mi me ha dejado con sensación de “¿....ya?” importante dada la cantidad de episodios de su primera tanda. Claro que no todos los episodios de dicha temporada fueron perfectos, ni mucho menos, y me quedaba la esperanza de que esta “condensación” de episodios tuvieran todos el suficiente calibre para hacerme olvidar la brevedad de la experiencia después de dos años de espera. ¿Ha sido así? Veamos (sin spoilers).

“si estás esperando la bacanal animada de la primera temporada y sus 18 episodios, en esta ocasión te vas a encontrar solamente con ocho bocaditos de animación”

1-SERVICIO AL CLIENTE AUTOMATIZADO. Puntuación: 5. Animación feísta y caricaturesca, con reminiscencias a “Wall-e” (2008) en temática y con cierto aire a lo “Beavis and Butt-head” en la estética de sus protagonistas, me quedé con la impresión de que estaba viendo un especial de halloween de “Los Simpson”. Entretiene y se pasa en un suspiro, pero no me sorprendería que hubiese salido Matt Groening como autor del guion (o el equipo de simios que firman los guiones actualmente.) Olvidable y liviana, hace lo justo para arrancarte una sonrisa. Y listos.

2-HIELO. Puntuación 8. El primer bocado realmente goloso de todo el conjunto. Una animación gloriosa, que creo hermanada del mismo estudio que hizo “Zima Blue” para la anterior temporada, y un guion que no se pierde en explicaciones innecesarias y que, con cuatro pinceladas, nos describe toda una sociedad futurista en la que el ser humano y el lenguaje mismo han cambiado. Y aún le queda tiempo para hablarnos de ingeniería genética, nuevas (o no) formas de racismo, familia y amistad y varias cosas más que me dejo en el tintero. ¿Lo que debe de ser un corto de scifi? “Hielo”.

3-RESPUESTA EVOLUTIVA. Puntuación: 5 raspado. Esfuerzo de animación pretendidamente hiperrealista... que no supera a cualquier cinemática de consolas de nueva generación, y no solo en lo técnico sino en el guion. Sumado eso a una traducción de título de las nuestras, de las que te patean las gónadas si como es mi caso la has visto en V.O. (De “Pop squad” a “Respuesta evolutiva”), y a una historia que nos da la sensación de haberla visto ya mil veces pues…. Ojo, entiendo la idea y la intencionalidad de los autores, y no es un mal episodio. Pero el caso es que el final se ve a la legua y a mi se me hizo largo... y hablamos de un corto.

“me preocupa que esta reducción de episodios dos años después de la primera temporada sea señal de problemas a la hora de tirar para adelante una tercera edición”

4-NIEVE EN EL DESIERTO. Puntuación: 5,5. Admito que después de ver este corto, sumado al que lo precede, me tomé una pausa para hacerme un té, ir al baño y relajarme un poco para recuperar el interés. Otro caso de animación 3d futurista, pero en este caso con un personaje pretendidamente molón pero que a mi no me causó una gran impresión. La calidad hiperrealista de la animación y toda su fluidez son un auténtico festín para los ojos, pero el guion es como las vías de un tren del que sabes perfectamente cuales son las paradas porque lo has tomado muchísimas veces. Por suerte no descarrila en ningún momento y, si te dejas seducir por su imaginario visual, es hasta distraída.

5-EN LA HIERBA ALTA. Puntuación: 7. Animación casi pictórica, con un sosias del mismísimo HP. Lovecraft como protagonista como declaración de intenciones, esta pieza de terror cósmico es un pequeño gran divertimento que se pasa en en un suspiro. Aunque su título es igual que otra producción del mismo nombre de Netflix, poco tienen que ver salvo la presencia de campos verdes. En este caso, nos encontramos con un viaje en tren que se complica y va descendiendo a los abismos de lugares en los que, simplemente, el ser humano no puede hacer un alto en el camino a riesgo de perder la vida o algo más. Los fans del genio de Providence y sus continuadores apreciarán las referencias a ese universo estrellado e inmisericorde y a esos lugares en los que confluyen extrañas realidades, sobre todo en lugares “intermedios”. Y los que no, disfrutarán de un buen cortometraje de terror que deja muchas e inquietantes preguntas sin respuesta.

6-POR TODA LA CASA: 8,5. Gamberrada navideña de primer orden y rodada en glorioso stop motion, este divertimento navideño es uno de los “must see” que hacen de esta temporada de obligado visionado. No voy a citar referencias ni nada que contamine la experiencia de su visionado para el que no la haya visto (para eso tenemos los comentarios), pero en los escasos minutos que dura la diversión y la imprevisibilidad están aseguradas. Y es que, como comente ya en “Eli” (2019), me encanta que me miccionen cinéfilamente en la cara si eso significa arriesgarse y, al mismo tiempo, no tomar por idiota al espectador. Y créanme , eso no es tan fácil. “Por toda la casa” es una auténtica joya de las que temo que algún productor se encaprichará para hacer un largo completamente innecesario, pero siempre nos quedará este loco y bizarro master piece.

7-COBIJO. Puntuación: 4. Volvemos al 3d hiperrealista, y para no seguir la tónica volvemos al aburrimiento. Un sosias digital de Michael B. Jordan nos invita a un mundo que parece el mismo que el de “Afortunado 13” de la temporada pasada en estética, pero que es inmensamente más aburrido. Una pieza pretendidamente de suspense pero que se hace tremendamente aburrida y lo que es peor, plagia al villano de la función sin ningún tipo de recato. Si le echáis un vistazo a “Planeta Rojo” (2000) de Anthony Hoffman veréis la “inspiración” vergonzante que han usado los autores de esta película, incluyendo no solo al susodicho peligro, sino a que todo el desarrollo es sospechosamente parecida. En suma, ni original, ni divertida. Quizá es que la culpa es mía por haber visto demasiado género, o que no tolero la poca vergüenza, en fin...

“¿Es una buena antología? Sí, y muy recomendable. Con altibajos como todo recopilatorio que se precie, pero ideal para darse un gustazo. Breve, pero gustazo al fin y al cabo”

8-El gigante ahogado. Puntuación: 8. El descubrimiento del cadáver de un joven gigante ahogado en una playa y la historia de su descomposición es el cierre de esta antología y también el intento de salvar la animación hiperrealista de la nada más absoluta en su participación de esta temporada. Un ensayo filosófico con vestiduras de género fantástico, me ha parecido de lo más grande de esta tanda. No busquéis acción en este episodio, no la hay. Ni tampoco situaciones terroríficas. Esta historia busca hacer reflexionar al espectador sobre esta sociedad nuestra del consumo inmediato y de lo rápido que pasan los sucesos, por muy extraordinarios que sean, de ser actualidad a estar pasados de moda a la atención del ojo público. Una fábula sobre la posmodernidad y sus consecuencias que espero que provoque reflexión en aquel que la vea.

Como sospechaba, esta antología se me ha hecho cortísima (perdonen el chiste malo). Me sorprende lo reducida de la propuesta promovida por Tim Miller y David Fincher en su duración, y aunque sigo creyendo que la propuesta animada adulta de Netflix va siguiendo los pasos correctos, me preocupa que esta reducción de episodios dos años después de la primera temporada sea señal de problemas a la hora de tirar para adelante una tercera edición. En suma: ¿Es una buena antología? Sí, y muy recomendable. Con altibajos como todo recopilatorio que se precie, pero ideal para darse un gustazo. Breve, pero gustazo al fin y al cabo. De mejor a peor: “Por toda la casa”, “Hielo”, “El gigante Ahogado”, “en la hierba alta”, “Nieve en el Desierto”, “Servicio al Cliente Automatizado”, “Respuesta Evolutiva” y “Cobijo”.

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Crítica: Blood red sky

July 25, 2021, 4:36 am

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EL RECTOR NOS HABLA SOBRE COMO RODAR "VAMPIROS EN EL AVIÓN" Y NO MORIR EN EL INTENTO

Inesperado divertimento vampírico el que nos trae este hasta la fecha desconocido cineasta germano de nombre Peter Thorwarth en la que significa su primera incursión en el género. Dicen, cuentan, que el verano es época de cine ligero, de experiencias que no requieran de subir en exceso las revoluciones del cerebelo y en ese marco, una película como “Blood red sky” (2021) se antoja como una oportunidad de mercado de lo más apetitosa, una serie B de toda la vida, con “mampiros”, notable potencia de fuego en su apartado visual a base de efectos tradicionales, mucha diversión, mucha acción y alguna que otra vuelta de tuerca a un universo, el de los vampiros, explotado hasta límites insospechados desde tiempos ancestrales.

“Thorwarth escribe junto a Stefan Holtz una historia de monstruos y vampiros o lo que es lo mismo, de humanos y vampiros”

Su título original ya se ganará el corazoncito y sin duda llamará la atención del buen melómano, pese a que el contenido poco o nada tenga que ver con uno de los más grandes cortes musicales compuestos por los legendarios Judas Priest, aquella épica distopía suya, con ecos al “Terminator” (1984) de Cameron (amen de otras consideraciones más mundanas subyacentes al texto), titulada “Blood red skyes” perteneciente a su “Ram it down” de 1988, preludio al que sin duda sería no solo su mejor disco, también una de las obras capitales del heavy metal, “Painkiller” (1990), pero no, no hemos venido a hablar ni de música ni de dioses. Sigamos pues.

Thorwarth escribe junto a Stefan Holtz una historia de monstruos y vampiros o lo que es lo mismo, de humanos y vampiros. Lo hace aportando un punto de vista algo diferente del habitual y pese a que en “Blood red sky” (“Cielo rojo sangre”, ahora sí, traducción literal sin que sirva de precedente para territorio español) no hay cabida alguna para el vampiro rosa de Stoker, derivados y degeneraciones, el director y guionista apuesta por humanizar a su monstruo para convertirlo en eventual héroe de acción al servicio de la causa y es que “Blood red sky” tiene mucho del cine de acción de los noventa y la sombra de películas como “Con Air" (Simon West, 1997) o “Air Force One” (Wolfang Petersen, 1997) planean sobre el espectador, si se me permite el gag, desde sus primerizos compases. También de toda esa corriente nacida en el nuevo siglo de meter con calzador a toda clase de fauna del fantástico en una avión, y ahí hay títulos para aburrir: “Serpientes en el avión” (David R. Ellis, 2006) o “Plane Dead” (Scott Thomas, 2007) por citar un par.

“Me parece lógico cuestionar la necesidad de, en este tipo de productos, dedicar más tiempo de la cuenta a explicar según que cosas, cuando lo que hemos venido a ver son vampiros, acción y sangre”

En ese escenario, Throwarth dirige pues, con marcado pulso noventero, a su particular madre coraje en poco más de dos horas de metraje, algunos dirán excesivas y en lo personal, puedo contemplar que igual un montaje con algo menos de duración, aligerando buena parte de los flashbacks que nos ilustran sobre el origen de la protagonista, hubieran permitido disfrutar de una experiencia más directa y dada la naturaleza de la obra, seguramente hubiera sumado en lugar de restar. Me parece lógico cuestionar la necesidad de, en este tipo de productos, dedicar más tiempo de la cuenta a explicar según que cosas, cuando lo que hemos venido a ver son vampiros, acción y sangre. Que sí, que luego aparecerá el santo inquisidor random para hablar de las supuestas miserias del guion (bla, bla, bla...), pero me temo que ese es un mal endémico del que no nos libraremos, sea de una forma u otra. Por lo tanto, si me preguntan, sí, le sobra metraje.

Peri Baumeister da (no)vida a nuestra vampir de la historia y perfectamente, podría haber elevado las cotas dramáticas por todo aquello de la ética y la moral, de otro terror vampírico alemán como “We are the night” (2010). Sin duda, la película de Dennis Gansel, ya disfrutable de por sí, lo hubiera agradecido en ese sentido. A su lado, el joven actor Carl Anton Koch como espabilado hijísimo. Buena química entre ambos e importante carga emocional la que gestionan, pese a la aparente frialdad que destila la producción, característica habitual del cine germano. Aunque si me me preguntan, de nuevo, diré que si hay una interpretación que se sale en “Blood red sky”, esa es la de Alexander Scheer, un ejercicio de excesos eso sí, no apto para todos los públicos. En mi caso, he disfrutado todas y cada una de sus hipérboles, dejando incluso en un segundo plano las de una Baumeister que tampoco le va muy a la zaga. En medio de este duelo de estilo, un Dominic Purcell (al actor “bueno” de los dos hermanos de la popular serie de fugas carcelarias), hace lo que buenamente puede.

“Netflix se apunta otro tanto tras la estupenda La clásica historia de terror para ofrecer una serie B de corte noventero que luce bien, divierte e incluso se permite el lujo de aportar su granito en ese gigantesco castillo de arena que es el cine de vampiros”

El apartado visual ofrece todo lo que se podría esperar para la ocasión. Mucha prótesis de corte clásico, generosa sangre (para tratarse de una producción destinada al circuito comercial) y bastante desenfreno cuando la película se adentra en su reverso más burro o festivo. Como digo, el filme apuesta por la versión salvaje e irracional del vampiro, del ansia de sed de sangre por encima de cualquier otra consideración, por más que todo lo que rodea al personaje de Nadja, fantasee (apoyándose en los oportunos milagros de la ciencia) sobre la naturaleza de las criaturas y esa eterna lucha entre la incontrolable sed del nuevo ser y los ecos de moralidad residuales de su antecesor mortal que el cine, tantas veces ha puesto sobre la mesa.

“Blood red sky” es una grata sorpresa. Netflix se apunta otro tanto tras la estupenda “La clásica historia de terror” (2021) para ofrecer una serie B de corte noventero que luce bien, divierte e incluso se permite el lujo de aportar su granito en ese gigantesco castillo de arena que es el cine de vampiros, buscando el contrapunto diferencial al enfrentar dos instintos tan primarios como son la necesidad (y el placer) de alimentarse y la de ídem de una madre de proteger a su descendencia. Un exceso de metraje y de explicaciones innecesarias en un contexto como el suyo y un arranque titubeante, penalizan una película que con todo, estoy seguro satisfará a los amantes del terror vampírico en su vertiente más festiva.

Lo mejor: Nadja, un personaje mucho más interesante de lo que se podría esperar y la desorbitada interpretación de Alexander Scheer, todo un regalo para los que gusten de lo excesivo.

Lo peor: El abuso de los flashbacks y el lamentable handicap habitual de llegar vía Netflix, con toda la bilis extra que ello conlleva.

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Crítica: La purga infinita

July 29, 2021, 11:39 am

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KRUEGER NOS HABLA SOBRE LA QUINTA ENTREGA DE LA POPULAR SAGA, DIRIGIDA POR EVERARDO GOUT Y CON AROMA A WESTERN

Hay que reconocer varios aspectos a una saga como “La Purga” (2013). En primer lugar, la dignidad que ha demostrado en sus sucesivas secuelas, siempre intentando ofrecer un aspecto nueva en cada entrega, aunque fuera una mijina. En segundo lugar, el don de la oportunidad, aspecto que queda claramente demostrado en esta “La Purga Infinita” (Everardo Gout, 2021), en la que el espectro de Trump sobrevuela los 103 minutos de duración.

“la simpleza política y social del mensaje de la saga siempre me ha encantado. Pura brocha gorda, pero es que no estamos delante de una maldita película de Ken Loach”

El elemento diferencial de esta quinta entrega radica en llevar la acción a la luz del día; no hay que olvidar que las cuatro entregas precedentes se ambientaban durante la citada noche de la Purga. Ahora la gente ha perdido la chaveta (si no de antes…) y han decidido que toca ser más papistas que el Papa; que la Purga necesita extremarse vaya y que toca quitar del medio a cualquier mexicano (especialmente) que se ponga por delante. Tampoco se libran los texanos pudientes, de esos con tierras y caballos, que dan empleo a todos los migrantes. Sí, lo sé, todo un ejemplo de sutileza, con auténticos americanos a los que les falta llevar unos cuernos de bisonte… bueno espera, que eso también sale. Si os parece recalcar lo evidente, esperad a ver la situación del muro- frontera y como cambian los papeles.

La verdad es que la simpleza política y social del mensaje de la saga siempre me ha encantado. Pura brocha gorda, pero es que no estamos delante de una maldita película de Ken Loach, sino frente a purita serie B comercial que hasta esta última entrega ha funcionado como un tiro, nunca mejor dicho. Tampoco quiero quitarle mérito; la idea inicial es francamente potente y el universo nunca ha ido más allá porque, sinceramente, no le ha interesado comercialmente. En cualquier caso, también reconocer sus arrestos a la hora de cagarse en las clases políticas, la policía y el Cristo que lo fundó. No es cine denuncia claro, no olvidemos que esto gira en torno a gente vestida de forma chula cargándose todo lo que tienen delante; pero da la casualidad de que disfrutan más si son de una minoría étnica y además pobres.

“desconozco si por temas presupuestarios, pero está Purga se ve francamente pobre, llevando el asunto al extremo de dejar en off la mayoría de situaciones”

Dejando claro el contexto, si la anterior entrega abrazaba el componente afroamericano, ahora los mexicanos tienen el peso narrativo (Trump está en la casa, aunque afortunadamente ya no), lo que permite a la cinta de Everardo Gout coquetear con tropos del western en no pocas ocasiones: la presentación del personaje de Tenoch Huerta y como le definen como un auténtico cowboy, la ambientación en Texas, que todo el mundo lleve un jodido sombrero… No soy especialmente aficionado al western, pero hay que reconocer que es un nuevo escenario para la Purga; aunque ello suponga ver escenas tan ridículas como la doma del caballo. Si me preguntáis, prefiero el enfoque actioner que ofrecía Frank Grillo.

Ya lo hemos evitado demasiado, vamos con el principal problema: desconozco si por temas presupuestarios, pero está Purga se ve francamente pobre, llevando el asunto al extremo de dejar en off la mayoría de situaciones (la secuencia del camión de la policía es de traca). Uno se cansa de escuchar como el caos se apodera de la ciudad, además a plena luz del día, y de no ver una mierda, sino simplemente oír disparos por aquí y explosiones por allá. ¡Si hasta hay menos disfraces chulos! Tampoco ayuda a la propuesta la ausencia de un villano claro: en primera instancia parece que tenemos un antagonista, pero el clímax tiene lugar con un personaje anodino que aparece bien entrada la historia.

“cine comercial que funciona de forma correcta, aunque también es justo reconocer que la saga se había mantenido en buen estado de salud, pero esta nueva purga empieza a mostrar signos de agotamiento”

En el lado positivo cabe mencionar que todo el elenco cumple de sobras: el citado Tenoch Huerta, una acertadísima Ana de la Reguera, un recuperado Josh Lucas y un Will Patton aportando dignidad a un personaje que es pura caricatura buen rollista. También de forma positiva (y como en muchas entregas), los prolegómenos de la noche son más interesantes que la propia velada: el personaje de Ana de la Reguera viendo a dos rednecks comprando armas genera más tensión que todos los tiros de la película, por lo que tiene de anticipación; de modo que, volvemos a tener dos tercios francamente entretenidos y un tercer acto que va perdiendo fuelle de forma progresiva, al mismo tiempo que abraza la defensa del hombre blanco por parte del nativo americano.

De nuevo, cine comercial que funciona de forma correcta, aunque también es justo reconocer que la saga se había mantenido en buen estado de salud, pero esta nueva purga empieza a mostrar signos de agotamiento, por lo que sería aconsejable cerrar ya la saga, antes de empezar una más que inevitable decadencia.

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Crítica: Transferencia de almas

July 31, 2021, 3:19 am

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DONNIE NOS HABLA SOBRE OTRO DE ESOS TÍTULOS QUE PASAN DE PUNTILLAS Y QUE NINGÚN FAN DEL CINE ASIÁTICO DEBERÍA PERDERSE

Excesiva, en algunos momentos demasiado folletinesca, en otros confusa. Es irregular, pero seductora. Si el espectador entra en el juego que Cheng Wei-hao como director y Bo Jiang como autor de la novela en la que se basa esta película ofrecen, este la disfrutará mucho. No llega a la brillantez de 'Forgotten' (2017) o de 'The call' (2020), pero no deja de ser una de esas películas que por desgracia pueden pasar desapercibidas entre el catálogo de las plataformas digitales que siempre acaban sugiriéndote las mismas, y sobre las que merece la pena pararse, hablar de ellas y animar a otras personas a que las vean.

“una notable puesta escena y una soberbia banda sonora. Técnicamente la cinta de Cheng Wei-hao está muy cuidada. Pero también tiene personajes que resultan tremendamente interesantes”

Es difícil hacer un resumen en unas pocas líneas de 'Transferencia de almas' (2021) sin caer de forma consciente o inconsciente en spoilers (tranquilos, no lo vamos a hacer), pero vamos a intentarlo: Un fiscal enfermo de cáncer se hará cargo del brutal asesinato de un importante empresario que durante varios años ha ido tomando malas decisiones y haciendo a su empresa perder millones.

Comparte esta 'Transferencia de almas' con 'The Victim's game' (para mí una excelente serie, de hecho una de las mejores que he visto últimamente) algo más allá de ser producciones llegadas desde Taiwan. Personajes atormentados y reflexiones acerca de todo aquello que vive y siente una persona, pero sin resultar cargante o excesivo. Igual que ocurre con la cinta de Cheng Wei-hao, la serie de Chen Kuan-Chung y David Chuang posee por momentos esa confusión que hace que no todo lo que sucede en pantalla lo acabemos de entender o resulte debidamente justificado. Igual es una simple cuestión cultural, las reglas por las que se rige una narración no tienen porque ser las mismas, igual que ocurre con los tiempos y el ritmo. Pero tanto 'Trasferencia de almas' como 'The Victim's game' resultan interesantes y adictivas a partes iguales. Dos obras que abiertamente recomendamos.

“Cheng Wie-Hao sabe como jugar con los géneros y como pasar de uno a otro de una manera suave e intrigante para el espectador”

Tiene 'Transferencia de almas'una notable puesta escena y una soberbia banda sonora. Técnicamente la cinta de Cheng Wei-hao está muy cuidada. Pero también tiene personajes que resultan tremendamente interesantes, que no son planos y que como ocurre en mucha ocasiones tienen poco o nada que decir. Se podría decir que Chang Chen, que da vida al fiscal encargado del caso, Janine Change, la mujer de este, y Sun Anke, la mujer de la víctima del terrible asesinato, brillan por encima del resto del reparto, especialmente el primero, aunque no seria justo si no recalcáramos que sus personajes son los más complejos de toda la historia. Cheng Wie-Hao sabe como jugar con los géneros y como pasar de uno a otro de una manera suave e intrigante para el espectador, lo que sumado a la manera en la que este dota de ritmo a su película hace de esta una muy grata sorpresa. Cada minuto que pasa, 'Transferencia de almas'sabe ofrecer algo nuevo, sabe retorcer la historia, sabe llevar a sus personajes un poco más al límite y eso es algo que al menos yo, como espectador, agradezco.

Siendo que estamos ante un thriller con elementos fantásticos y propios de la ciencia ficción, el futuro que nos muestra Cheng Wei-hao, la historia se sitúa en el 2031, resulta demasiado forzado. No por el hecho de la historia en sí misma sino por como el director ha querido plasmar ciertos detalles del mundo en el que viven los protagonistas. Puede que ese, más allá de esos momentos que no acababa de comprender perfectamente, sea uno de los mayores peros que le puedo poner a esta película (personalmente no me hacían falta esos ordenadores por ejemplo). Sinceramente creo que no hubiera pasado nada si lo que cuenta “Transferencia de almas” hubiera sucedido este año. Pero esto no deja de ser, como todo, una observación personal.

“Cine diferente, excesivo y atractivo. 'Transferencia de almas' es una de esas películas que sin duda no dejaran indiferente a nadie, para bien y para mal”

Nos gusta bucear por los catálogos de las plataformas digitales, ir descubriendo películas. Algunas veces te encuentras con algunas que jamás pensaste que verías, y en otras como en este caso o las ya citadas 'Forgotten' o 'The Call', te encuentras con películas que te alegras que formen parte de un catalogo y que se puedan disfrutar. Es algo que seguiremos haciendo y esperamos poder hablaros de títulos que no sabíais si ver o no y que nuestras críticas os saquen de dudas.

Creo que la mejor recomendación posible a la hora de ver 'Transferencia de almas' es dejarse llevar y disfrutar. Una vez acaba ya habrá tiempo para analizar la historia, para hablar de ella y para ver si todo resulta coherente, si se nos ha podido pasar algún detalle por alto o si se ha considerado que por situar la historia en un contexto de ciencia ficción íbamos a dar por hecho y considerar normales ciertas actitudes y reacciones. Cine diferente, excesivo y atractivo. 'Transferencia de almas' es una de esas películas que sin duda no dejaran indiferente a nadie, para bien y para mal. Yo soy de esos que se sitúan en el bando de aquellos a los que les ha gustado y mucho. A día de hoy ya la he visto dos veces. Tras un primer visionado, sinceramente me quedé con ganas de volver a verla y creo que eso es algo muy difícil de conseguir. Muy recomendable.

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Crítica: Serial Mom

August 3, 2021, 4:13 am

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NELLIE VANCE NOS HABLA SOBRE UNA DE LAS GRANDES VILLANAS DEL GÉNERO, EN ESTE CLÁSICO DE JOHN WATERS

¡Chip, nuestra madre es Charles Manson! Si hay un director cuya obra condense toda una tesis teórica sobre los géneros cinematográficos, su funcionamiento y su buen uso, ese sería sin duda John Waters. Película tras película, el director nos ha enseñado que los géneros existen para cogerlos, retorcerlos y no solo convertirlos en un divertimento desprejuiciado sino también en una forma de satirizar y cuestionar las convenciones sociales.

“el tiempo ha jugado claramente a su favor, convirtiéndose en un clásico nocturno del día de la madre en las televisiones norteamericanas”

Que el cine de género (de cualquiera) puede no ser solo entretenido sino también impredecible, y por qué no, también transgresor y desafiante. Es por ello que su influencia sigue vigente en propuestas recientes como la maravillosa “Greener Grass” (Jocelyn DeBoer y Dawn Luebbe, 2019) o “Life During Wartime” (Todd Solondz, 2009) que rescatan el tono, la estética o las preocupaciones temáticas de Waters, entre las que se incluyen la sátira hacia las clases acomodadas (énfasis en la ridiculización de sus convenciones estéticas, con mucha mala uva) y personajes que no encajan en ese ideal de barrio residencial.

“Serial Mom” (1994) no es la primera revisión de Waters del género policíaco, de que ya había hecho su particular aproximación en “Female Trouble” (Waters, 1974) ni lo es por supuesto de la comedia, pero sí supuso un paso adelante en términos de presupuesto, lo que le permitió lucir su particularísima visión del género policial, el slasher y la comedia negra con unos valores de producción que ya venían mejorando en “Cry-Baby” (1990) y que no volverían a igualarse en su filmografía. Precisamente esa mejora en la producción pudo percibirse como un alejamiento de la esencia underground que siempre ha caracterizado a Waters, lo que hace que no sea una de las preferidas del fandom del cineasta. Sin embargo, el tiempo ha jugado claramente a su favor, convirtiéndose en un clásico nocturno del día de la madre en las televisiones norteamericanas.

“no nos encontramos ante una estructura clásica de thriller policíaco sino a una revisión en clave de comedia negra del slasher norteamericano desde la perspectiva de la propia asesina, madre y esposa entregadísima al orden social”

“Serial Mom” nos cuenta la historia de una familia de clase media norteamericana de los suburbios, formada por Beverly (Kathleen Turner) y Eugene (Sam Waterston) como las figuras parentales y Misty (Ricki Lake) y Chip (Matthew Lillard) como los dos hijos adolescentes. Parecen una familia normal, todo lo normal que se puede ser en una película de Waters, pero Beverly esconde algún que otro impulso criminal que sale a la luz cuando cualquiera osa molestar a sus hijos o interferir en la dinámica normal del barrio residencial. Así, el film muestra casi al instante sus cartas, ya que no nos encontramos ante una estructura clásica de thriller policíaco sino a una revisión en clave de comedia negra del slasher norteamericano desde la perspectiva de la propia asesina, madre y esposa entregadísima al orden social.

“Brilla en especial Kathleen Turner como Beverly, no solo por construir uno de los villanos más carismáticos del cine contemporáneo sino por no ocultar en absoluto que, ante todo, se lo está pasando de lujo”

La elección de los actores no puede ser más acertada. Brilla en especial Kathleen Turner como Beverly, no solo por construir uno de los villanos más carismáticos del cine contemporáneo sino por no ocultar en absoluto que, ante todo, se lo está pasando de lujo. Los tres personajes que completan el elenco principal parecen el complemento perfecto para inducir esa sensación de desconcierto tan propio del cine de Waters. Ricki Lake repite con el director con un personaje bastante parecido al de Hairspray, y da el pego como adolescente de gran ingenuidad y fragilidad, pero con ese toque camp tan hiperbolizado. Sam Waterston esta estupendo como marido perplejo y Matthew Lillard (el eterno Stu de “Scream: vigila quién llama”) parece hecho para el papel de adolescente obsesionado con el cine de terror.

Por si esto no fuera suficiente para pasar un rato maravilloso, Waters se permitió el lujo de construir una segunda parte que funciona casi como película diferenciada, en el que se adelantó a los tiempos que vinieron y satiriza una sociedad ultra mediatizada, obsesionada con la cultura de la celebridad y con el culto al true crime. En definitiva, “Serial Mom” es un clásico del cine contemporáneo que nos recuerda que para el cine de Waters, no pasan los años.

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Crítica: Skull: The Mask

August 4, 2021, 4:22 am

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ASTINUS NOS HABLA SOBRE EL SLASHER BRASILEIRO CON DENOMINACIÓN DE ORIGEN DE ARMANDO FONSECA Y KAPEL FURMAN

Hay pocas películas dentro del cine de género que hayan indagado dentro de las culturas precolombinas. Si sacamos de la ecuación el mito de La Llorona, que hunde sus raíces en tradiciones mesoamericanas relacionadas con deidades locales, lo cierto es que apenas nos queda algo. Y es una pena, porque el filón en torno a las narrativas ancestrales propia de las culturales prehispánicas da mucho de sí (es siempre un buen momento para recomendar el libro de Mariana Enríquez Nuestra Parte de Noche, que podría adaptarse a la gran pantalla sin mucha complicación y que explora, precisamente, dichas leyendas) En todo caso, el cine de terror latinoamericano ha tendido a reiterar fórmulas norteamericanas de éxito o, en su defecto, a tratar temáticas oscuras más relacionadas con el presente, como el cine argentino y mexicano han demostrado en los últimos años en los que han salido auténticos joyas como esa “Vuelven” (2017) de Issa López donde el realismo mágico custodiaba la entrada a un mundo tan pesadillesco como real.

“centra parte de su temática en ofrecer una panorámica diferente que pueda resultar original dentro de unos códigos de sobra conocidos, sobre todo cuando hablamos del subgénero slasher”

Ese mundo de dioses y lenguas olvidadas entran en constante lucha con la recuperación de las tradiciones locales dentro de las propias culturas indígenas, que piden devolver el protagonismo perdido a su legado. Dentro de las amplias manifestaciones culturales el cine da la sensación de no haber ofrecido todo lo que puede dar de sí, y en esta tesitura es agradable encontrar propuestas como “Skull: The Mask” (2020), que más allá de su calidad, al menos centra parte de su temática en ofrecer una panorámica diferente que pueda resultar original dentro de unos códigos de sobra conocidos, sobre todo cuando hablamos del subgénero slasher.

La película brasileña no arranca bien. El preludio nos pone en situación de forma rápida y algo accidental, con personajes excesivamente sobreactuados y con litros de sangre que podrían haberse usado con algo de más maestría. Alternar planos rápidos para ofrecernos un discurso coherente en acciones complejas de mostrar sin un presupuesto elevado requiere de dosis de originalidad que aquí no existen, y esto será algo común a todo el metraje. Da la sensación de que, incluso siendo un producto de serie B, hay campo para haber hecho mucho más. Y eso que la película, como la trama, va mejorando con el paso de los minutos.

“El carnaval de sangre y vísceras no es tan portentoso como uno espera, lo que también acrecienta la frustración del espectador”

Noventa minutos son tiempo suficiente para contar una historia y aquí encajan bien para que el filme, pasado su tramo inicial, no decaiga en ningún momento. Y eso es lo mejor que tiene la cinta de Armando Fonseca y Kapel Furman (también ambos a la batuta del guion); entretiene y no se para en situaciones dramáticas que no aportarán nada al producto final, aunque haya cierta sensación de historias que no se cierran y paralelismos que podrían funcionar mejor si uno de los dos personajes principales se eliminase directamente. La historia gira en torno a una máscara maldita que guarda un poder demoníaco y que posee un cuerpo para sembrar el caos y la matanza. ¿Cómo detenerla? La historia nos coloca a dos personajes que no se conocen de nada y que irán avanzando a distinto ritmo: la primera es una policía que no termina de convencerse de que algo así pueda existir, encontrando pruebas que le lleven ante la verdad; el segundo es un tipo que ya conoce de sobra la leyenda sobre la máscara y que intentará por todos los medios ritualísticos frenar su influencia. Ambos papeles, lejos de colaborar, no terminan de encontrarse hasta el final, y no seguiremos contando nada porque hay cierta sorpresa que no deja de ser atrevida.

En medio de ambos personajes está la máscara, verdadera protagonista de la película con la capacidad de poseer un cuerpo para convertirlo en un Jason Vorhees (las referencias son evidentes) resistente a todo tipo de armas, golpes e insultos, con una fuerza inusitada y una maravillosa capacidad de usar un intestino (sí, un intestino) para enrollarlo en tono a sus víctimas y sesgar miserablemente sus vidas. El carnaval de sangre y vísceras no es tan portentoso como uno espera, lo que también acrecienta la frustración del espectador que espera, ya que el plano técnico no termina de ser medianamente aceptable, ver litros de sangre en un festival de sesos falsos y agua con colorante. Ni mucho menos. Las escenas escabrosas están seleccionadas con una mano y el viraje de la película hacia el slasher más prudente hace que pierda empaque en una división en la que, realmente, poco puede competir.

“Skull: The Mask es un producto con demasiadas carencias para resultar de mucho interés su visionado, salvo que tengas un afán obsesivo por el slasher”

Con todo, la caracterización del villano está bien, y algunos primeros planos a la máscara nos recordarán a “Jeepers Creepers” (2001) o “Friday 13th” (1980), incluyendo ese barrido lento a todo el cuerpo sangriento que invita a pensarse dos veces el hecho de enfrentarse a semejante mole. El resto del elenco no termina de cuajar entre personajes sobreactuados y otros con tan poca chicha que restan al producto completo. El retrato de estos también sobra: vemos reflejos del pasado que, finalmente, quedan en nada, ahondando en esa sensación de producto inacabado o con demasiadas ideas perdidas.

El plano técnico de la película se pierde en la inoperancia de muchos pasajes anodinos y no termina de ser funcional en las escenas de tensión, donde la alternancia de planos rápidos da cierta sensación tan infantiloide como el comportamiento de algunos personajes. Y es curioso, porque hay dos escenas en la película que llamarán la atención por lo exquisito de su trato en lo que parecen más chispas de ingenio que un don para esto de la dirección. “Skull: The Mask” es un producto con demasiadas carencias para resultar de mucho interés su visionado, salvo que tengas un afán obsesivo por el slasher o seas un auténtico experto en cultura precolombina. Los personajes no están bien construidos, no ofrece todo el gore que podría y, aunque el ritmo es bueno y la película no sufre ningún bajón, sigue sin resultar especialmente interesante o atractiva su oferta. Viendo la nacionalidad del filme, no puedo dejar de pensar en “Bacurau” (2019) que, si bien se aleja de la temática, es un excelente exponente de género para el país.

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"Sitges 2021", obsceno aluvión de confirmaciones para un cartel de lujo

August 5, 2021, 6:10 am

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'Mona Lisa and the Blood Moon', de Ana Lily Amirpour, inaugurará Sitges 2021

El Festival presentará la premiere mundial de ‘Veneciafrenia’, de Álex de la Iglesia, una mezcla salvaje de giallo y slasher rodada en la monumental ciudad italiana

Las puertas de Sitges 2021 se abrirán el próximo 7 de octubre y, por primera vez en su historia, será un film dirigido por una mujer el que dará el pistoletazo de salida. Ana Lily Amirpour, que visitó el Festival en 2014 con Una chica vuelve en casa sola de noche y en 2016 con The Bad Batch, presentará Mona Lisa and the Blood Moon, su nueva película protagonizada por Jeon Jong-seo en la piel de una joven con habilidades extrañas que escapa de un centro de enfermos mentales.

La 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya programa los estrenos más esperados por los seguidores del género. Títulos como Lamb, cinta islandesa de folk-horror del cineasta Valdimar Jóhannsson y protagonizada por Noomi Rapace, hablan del brillante momento que vive el cine nórdico en el terreno del fantástico, y fue una de las películas más comentadas en la sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes.

Alexandre Bustillo y Julien Maury (Al interior, Kandisha), habituales del Festival, vuelven con The Deep House, una propuesta de terror sobrenatural bajo el agua. La última entrega de la saga Halloween no faltará a la cita: Halloween Kills, de David Gordon Green, con una incombustible Jamie Lee Curtis, se verá en Sitges 2021. Michael Myers y Laurie Strode se volverán a encontrar en la duodécima secuela de una franquicia imprescindible y muy querida por los fans.

El terror con el toque personal de Álex de la Iglesia llegará con el estreno mundial de Veneciafrenia, el híbrido de slasher y giallo que inaugura el sello The Fear Collection, una iniciativa que dará voz a directores de género para producir largometrajes originales y que tendrá también su presentación oficial en Sitges. En Veneciafrenia -en la que De la Iglesia recupera al actor Armando de Razza- la ciudad más bella del mundo será el terrorífico escenario donde Ingrid García Jonsson y Silvia Alonso lucharán para salvar sus vidas.

Junto con la película de Álex de la Iglesia habrá otros títulos representativos de la cosecha de género español de este año, como la premiere mundial de Visitante, debut de Alberto Evangelio, proyecto secundado desde el Producers meets Producers del PAC y en la cual ha participado la productora catalana Life & Pictures. Una inquietante historia de personajes perdidos en dimensiones paralelas que protagonizan Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera.

Dos representantes del fantástico español más festivo y referencial estarán en Sitges 2021 con las premieres mundiales de La pasajera, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González Gómez, road movie con invitado no deseado a bordo, y Jacinto, producción gallega dirigida por Javi Camino, un terror rural que el propio realizador define como un cruce entre La matanza de Texas y Forrest Gump. Completará el panorama nacional Tres, la esperada película de Juanjo Giménez, ganador de la Palma de Oro en Cannes al mejor cortometraje en 2017 por Time Code y que llegó a ser nominado al Oscar de la categoría. Producida por Frida Films e interpretada por Marta Nieto y Miki Esparbé, narra la inquietante odisea de una diseñ adora de sonido cuyo cerebro procesa el sonido más tarde que las imágenes.

El cine de animación contará con tres tótems mundiales, el israelí Ari Folman (Vals con Bashir, El congreso), el japonés Mamoru Hosoda (El niño y la bestia, Mirai, mi hermana pequeña), y el norteamericano Phil Tippett presentarán Where is Anne Frank, Belle y Mad God, respectivamente. La primera sigue los pasos de Kitty, la amiga imaginaria a quien Anne Frank dedicó su diario, mientras que Belle explica la historia de Suzu, una joven de 17 años que, después de perder su madre, se traslada a vivir con su padre. En el caso del film de Tippett -maestro de los efectos especiales con dos Premios Oscar por El retorno del Jedi y Parque Jurásico- se trata de una pesadilla en stop-motion que ha tardado treinta años en completarse.

Más grandes nombres. El cine asiático desembarcará en Sitges con toda su fuerza. El cineasta chino Zhang Yimou presentará Cliff Walkers, un elegante thriller de espionaje ambientado a Manchukuo, un estado títere del Imperio de Japón en China durante la década de 1930. Takashi Miike, imprescindible en el Festival, vuelve al universo Yokai con The Great Yokai War: Guardians, donde Kei Watanabe, un estudiante que ha heredado la sangre de un legendario cazador de yokai, estará destinado a salvar el mundo de la destrucción. El film japonés The Deer King, de Ando Masahi (director de animación de El viaje de Chihiro y Your Name) y Masayuki Miyaji también se añade a la programación. Un drama fantástico de supervivencia y pandemias ba sado en las novelas de Nahoko Uehashi. Y también se verá la cinta tailandesa The Medium, de Banjong Pisanthanakun, que resigue la historia de la herencia de un chamán.

Otros títulos destacados de esta edición de Sitges serán sin duda Demonic, en la cual Neill Blomkamp, director de emblemáticas epopeyas de ciencia ficción como District 9 o Elysium, apuesta por el terror sobrenatural, donde los límites de la realidad se distorsionan hasta confundirse y las nuevas tecnologías invocarán demonios reales a partir de un conflicto madre-hija. No uno, sino dos films de Edgar Wright se podrán disfrutar en el Festival. Última noche en el Soho, el thriller de viajes en el tiempo que protagonizan Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie, y el documental The Sparks Brothers, una pieza devota de este dúo musical surgido en Los Angeles en la década de los 70.

El galardonado en Sitges 2016 Gabriele Mainetti (Lo llamaban Jeeg Robot) presentará Freaks Out, película de criaturas extraordinarias ambientada en un circo de la Italia de la II Guerra Mundial y que tendrá en Sitges su premiere internacional después de participar en la Sección Oficial de la Mostra de Venecia. Por su parte, Simon Barret, guionista de las célebres Tú eres el siguiente o The Guest, ambas de Adam Wingard, presentará Seance, un homenaje personal al slasher protagonizado por Suki Waterhouse. Y el belga Fabrice du Welz, de quien en otras ediciones del Festival se han podido ver títulos como Adoration o Alleluia, volverá con Inexorable, con Benoit Poelvoorde y una inquietante ama de llaves.

Las óperas primas tendrán un papel destacado en Sitges 2021, y especialmente las dirigidas por mujeres. A los nombres ya anunciados de Prano Bailey-Bond (Censor) o Carlson Young (The Blazing World), se suma la artista y cineasta británica Charlotte Colbert, que debuta con el thriller psicológico She Will -con banda sonora de Clint Mansell- sobre una mujer que, después de una cirugía, se retira a la Escocia rural y abre interrogantes sobre su existencia. La también británica Camille Griffin presentará Silent Night, una película que no es lo que parece y que presenta un espectacular reparto con Keira Knightley, Annabelle Wallis, Matthew Goode y Lily-Rose Deep.

El leit-motiv de Sitges 2021, el hombre lobo y la bestia interior, tendrá una presencia constante en el Festival más allá de la retrospectiva ya anunciada y que ofrecerá títulos emblemáticos de la temática como The Wolf Man, la clásica película de Universal dirigida por George Waggner e intepretada por Lon Chaney Jr.; The Howling, de Joe Dante, o la copia restaurada en 4K de An American Werewolf in London. También rarezas y variaciones sobre el tema como Nazareno Cruz y el lobo, de Leonardo Favio; La bête, una versión erótica del mito dirigida por Walerian Borowzyck, así como las recuperaciones de clásicos del cine fantástico español como El retorno del hombre lobo, de Jacinto Molina, o El bosque del lobo, de Pedro Olea. Entre las propuestas recientes que giran alrededor de esta temática, el certamen ha seleccionado el film de terror Eight for Silver, de Sean Ellis, ambientado en un pequeño pueblo remoto a finales del siglo XIX, en el cual se investiga el ataque de un animal salvaje. En tono de comedia, Werewolves Within, de Josh Ruben, adapta el videojuego homónimo en una alocada cinta llena de chistes y sustos que estará en Sitges antes de su estreno en Amazon Prime. Estos títulos se añaden a la anunciada Bloodthirsty, la innovadora cinta de mujer-lobo de Amelia Moses.

Brigadoon

La sección Brigadoon, que engloba propuestas alternativas, presenta un avance de su programación. Brujas, maldiciones y cultos demoníacos están presentes en Two Witches, de Pierre Tsigaridis, sobre una herencia maldita, o Hellblazers, de Justin Lee, con una secta satánica de finales de los años 80. Por su parte, Las noches son de los monstruos, del argentino Sebastian Perillo, presenta una adolescente que sufre bullying y que conocerá a una perra misteriosa, y la española El último tren al Rock’n Roll, de Ignacio Malagón, inquieta con la desaparición del cantante y el técnico de sonido de un grupo de música.

Brigadoon presentará una amplia selección de documentales, muchos de ellos realizados por directoras. Destacan Fulci Talks - Uncut Conversation with Lucio Fulci, de Antonietta De Lillo, un paseo por el cine del "Gorefather" Lucio Fulci, un director que pasó de las comedias a los thrillers y de los spaghetti western al cine de terror. También sobre el cine italiano, Per Horror Intendo…, de Paola Settimini, analiza el glorioso cine de terror italiano de los años 60 a los 90, con entrevistas inéditas a Dario Argento, Cristiana Astori, Pupi Avati, Luigi Cozzi, Claudio Simonetti o Lamberto Bava, entre otros.

Manuel Pérez Clemente es uno de los más importantes ilustradores españoles, que con su arte ha traspasado fronteras y ha conseguido ser reconocido a nivel mundial. Sanjulian, el poder de la ilustración, de David García Sariñena, recorre la vida y obra de este espectacular artista, explicada por él mismo, y las ilustraciones que cautivaron al mismo George Lucas.

Fascism On a Thread: The Strange Story of Nazisploitation Cinema, de Naomi Holwill, se adentra en uno de los subgéneros más sórdidos en la historia del grindhouse, el nazisploitation. Durante los años 70, películas como Ilsa - El lobo de las SS, La bestia en calor, Tren especial para Hitler y La última orgía de Gestapo conmocionaron al público.

En el capítulo de homenajes, Brigadoon reconocerá la trayectoria de dos figuras recientemente desaparecidas. Por un lado, Giannetto de Rossi, mítico especialista en el campo de los efectos especiales y director ocasional, del cual se verá Killer Crocodile 2 (1990), y de la otra, el director británico Norman J. Warren, conocido por sus comedias sexuales y de terror, con la proyección de Inseminoid (1991).

Jurado Oficial Fantàstic

Sitges 2021 contará con un Jurado Oficial Fantàstic formado por cinco personalidades reconocidas que aportarán una mirada transversal a los films en competición. Ali Abbasi. Director y guionista de cine iraní nacionalizado danés. Entre sus títulos principales están Border o Shelley. Alaska. Cantante, compositora y actriz hispano-mexicana. Fundadora de Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama, desde 1989 forma parte del grupo Fangoria. Luna (María Lidón). Directora y actriz de cine y televisión. Entre los films que ha dirigido destacan Stranded: Náufragos o Yo, puta. Joaquín Reyes. Actor, cómico e ilustrador. Ha participado en los programas de TV La hora chanante o Muchachada Nui, y en los films Spanish Movie y Promoción fantasma, entre otros. Antonio Trashorras. Director, productor y guionista de cine y televisión. Ha dirigido los largometrajes El callejón y Anabel.

WomanInFan

Uno de los objetivos del programa WomanInFan, destinado a la visibilización de las mujeres creadoras dentro del fantástico, es sensibilizar el talento femenino hacia el género como un lenguaje más. En este sentido, se concederán tres becas para tres cineastas sin bagaje en el fantástico pero con una inicial trayectoria cinematográfica destacada. Gracias al apoyo de Vertix y de Dama Autor, las tres seleccionadas participarán en las actividades de industria del Festival, una mesa redonda sobre el papel de la mujer en la producción de cine fantástico y disfrutarán de un programa de mentoring.

Las tres jóvenes cineastas seleccionadas son:

Anna Moragriega. Productora. Graduada en producción por la ESCAC. Sus cortometrajes más destacados como productora son Ni oblit ni perdó (2019), dirigido por Jordi Boquet y ganador del premio a Mejor Cortometraje en los XIII Premios Gaudí; Tribu (2017), dirigido por Sergi Merchan y presente en más de 50 festivales internacionales y Petit (2017), dirigido por Asier Ramos y seleccionado, entre otros, al Camerimage Film Festival y presente dentro del mercado de cortos Short Film Corner del Festival de Cannes 2019.

Irene Moray. Fotógrafa y cineasta. En 2012 se traslada a Berlín y dirige su primer corto de ficción, Bad Lesbian. Después de cuatro años en Alemania, decide volver a su tierra natal donde rueda su último corto como guionista y directora, Suc de síndria, estrenado en Berlinale Shorts, nominado a los EFA Awards y merecedor de varios premios como el Gaudí a mejor cortometraje y el Goya al mejor corto de ficción. Su primer largometraje de ficción, Piel de foca, ha sido seleccionado en la Residencia de la Academia de Cine Español y en el TIFF Filmmaker Lab, donde ha sido premiada con el TIFF Filmmaker Lab Fellowship.

Laura Ferrés. Guionista, directora y productora. Graduada en dirección cinematográfica por la ESCAC. Su proyecto de final de carrera, A perro flaco, fue seleccionado en 40 festivales, como la SEMINCI y el Montreal World Film Festival. Su cortometraje Los desheredados se estrenó en el Festival de Cannes, alzándose con el premio a Mejor Cortometraje de la Semaine de la Critique de Cannes. Posteriormente fue proyectado en 80 festivales, nominado a los European Film Awards y galardonado en los Premios Goya y Gaudí.

Libro oficial

La bestia interior. Hydes, licántropos y otras figuras teriantrópicas en el imaginario audiovisual es una invitación a explorar las diferentes caras del tratamiento cinematográfico de la bestia que habita en el interior del ser humano. Por sus páginas desfilan hombres lobo, señores Hyde, mujeres gato y otros cruces de ser humano y bestia, en un recorrido que va de los textos fundacionales de la cultura grecolatina al cine contemporáneo y del Hollywood clásico al cine de autor de la Europa Oriental. Los temas y lugares que este libro visita ofrecen al lector la posibilidad de mirar de cara a estas bestias interiores, que no son más que encarnaciones de aquello que nos asusta de nosotros mismos.

Coordinado por Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro, La bestia interior cuenta con aportaciones de los propios coordinadores y de Lluís Rueda, Violeta Kovacsics, Marta Torres, Diego López y Mike Hostench. En los textos de estos autores el lector encontrará reflexiones de diversa naturaleza, en una polifonía de formatos y estilos que aporta nuevas miradas y nuevas ideas sobre un mito del cine fantástico que continúa disfrutando de gran vitalidad.

Esta publicación se añade a la ya anunciada Tres piezas para el asesino, que analiza la relación entre jazz, rock y electrónica con el cine criminal y de terror en la segunda mitad del siglo XX.

Acreditaciones de prensa e industria

El período de solicitud de las acreditaciones de prensa y profesionales se abrirá el próximo lunes, 9 de agosto, a través de la web del Festival. El plazo de presentación de solicitudes terminará el 20 de septiembre.

Apoyo a la 54ª edición

Un año más, el Festival agradece el compromiso de las entidades y empresas colaboradoras: Moritz (patrocinador principal), So de Tardor (vino oficial), Primavera Sound (partner destacado), Meliá Sitges (patrocinador y sede oficial), La Vanguardia (diario oficial), Vilamòbil (vehículo oficial),TV3 (televisión oficial), Catalunya Ràdio (radio oficial) y Lavazza (café oficial).

El Festival confirma los acuerdos con la CCMA, CineAsia, Cinemas Verdi, China Madrid, Cineinforme, Cinemascomics, Aullidos, Coca-Cola European Partners Iberia, S.L.U, Dama Autor, DRoom, El Bandarra, Ediciones Minotauro, ESCAC, FNAC, Fotogramas, FX Animation, Grupo Main, Hong Kong Economic and Trade Office, Iberia, IES Joan Ramon Benaprès Escola Hoteleria, Japan Foundation, La Filmoteca de Catalunya, Movistar +, Nació Digital, Ocimag, Planet Horror, Reial Cercle Artístic, Renfe, Selecta Visión, SGAE y Fundació SGAE, The Original Cha-Chá,Tresc y Vertix.

Sitges 2021 se organiza gracias a la implicación del Ayuntamiento de Sitges, del Institut Català de les Empreses Culturals del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y cuenta con la financiación del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales del Ministerio de Cultura y Deportes, la Diputació de Barcelona, Servei Públic d’Ocupació de Catalunya y el Fondo Social Europeo, y del Carnet Jove – Departament de Benestar i Família.

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Crítica: Tiempo

August 6, 2021, 12:56 pm

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KRUEGER NOS HABLA SOBRE EL SIEMPRE ESPERADO REGRESO DE UNO DE LOS GRANDES COCOS DEL TERROR MODERNO

Envejecer es una putada y el tiempo es un cabrón implacable. Según pasan los años te das cuenta de que el bastardo del crono lo único que hace es arrebatarte cosas: pierdes familia, pierdes amores, pierdes amigos y aún peor, pierdes inocencia. Es una constante carrera por ir dejando atrás aquello que en su momento nos hizo felices, aunque fuera brevemente. Demasiado precio por obtener algo, con suerte, de sabiduría. Esta premisa, tan agorera y funesta, es la que Shyamalan nos tira en toda la cara con su última obra, la irregular, aunque satisfactoria, “Tiempo” (M. Night Shyamalan, 2021).

“El film consigue escapar de lo limitado de su argumento (un solo escenario, pocos personajes) gracias a un muy bien dosificado ritmo, salvo en el tercer acto, donde la sorpresa nos deja algo tibios”

Un matrimonio, en pleno proceso de descomposición (dato nada casual), realiza un viaje a un hotel paradisiaco junto a sus dos hijos. Una vez allí, el gerente les propone una excursión a una playa privada, donde coinciden con otra familia y un par de parejas. El horror comienza cuando todos se percatan de que el tiempo no funciona con normalidad en la isla. No solamente se encuentran atrapados, sino que envejecen a un ritmo alarmantemente alto… por lo que mala pinta tiene el enfermo.

Afortunadamente Shyamalan ha recuperado el toque, aquel que perdió en su acercamiento al cine más comercial: es difícil olvidar una retahíla de films tan fallidos como “La Joven Del Agua” (2006), “El Incidente” (2008), aunque reconozco que esta tenía un pase, “Airbender” (2010) y “After Earth” (2013). Tanto “La visita” (2015), en su vuelta a productos más humildes y terroríficos, como el díptico “Múltiple” (2019) – “Glass” (2021), en el que volvió a un universo conocido, nos han hecho recuperar la fe en una cineasta que supo entregar un producto tan escalofriante como “El Sexto Sentido” (1999).

“cuando uno empieza a darle demasiadas vueltas a la cabeza, algo nos hace reír y bajar la guardia; jugada similar a la que el director realizaba en La Visita”

El cineasta vuelve a recurrir a un argumento que podría pertenecer sin problema a “La Dimensión Desconocida”, aunque debe reconocerse que empieza a ocurrirle lo mismo que al bueno de Stephen King: una tremenda incapacidad para ofrecer finales a la altura de la premisa inicial; aspecto que se ve incrementado en el caso del director, ya que todo el público espera, con ansia, un giro final que les vuele la cabeza. En ocasiones este no llega y a veces no es satisfactorio, como en el caso de “Tiempo”; aunque resulta comprensible, ya que ¿Cómo cojones explicas de forma lógica que la gente envejezca a toda pastilla en una isla?

El film consigue escapar de lo limitado de su argumento (un solo escenario, pocos personajes) gracias a un muy bien dosificado ritmo, salvo en el tercer acto, donde la sorpresa nos deja algo tibios. Ayudan a mantener el interés ciertos apuntes maliciosos, una tremenda escena de horror físico y por encima de todo, un acertado y muy satisfactorio humor negro que recorre todo el metraje, permitiendo que una idea que exige tanta fe por parte del espectador no caiga en saco roto: cuando uno empieza a darle demasiadas vueltas a la cabeza, algo nos hace reír y bajar la guardia; jugada similar a la que el director realizaba en “La Visita”, aunque en aquella el componente cómico se encontraba aún más acentuado.

“no se encuentra entre las mejores obras de su director, pero hay que reconocer que es una propuesta arriesgada, ya que para nada se encuadra en ninguna moda de terror comercial y apenas hace concesiones a la galería”

En el apartado actoral no hay mucho que comentar, más allá de los conocidos Gael García Bernal y Rufus Sewell. Todos cumplen y ninguno desentona, aunque Alex Wolff, buen actor por otro lado, vuelve a repetir todo el libro de estilo aprendido en “Hereditary” (Ari Aster, 2018). Aquí conviene señalar que M. Night Shyamalan vuelve a reincidir en sus pecados y se reserva un papel que representa, más que nunca, el demiurgo de su historia. Famosa es su tendencia a regalarse papeles cuando no los merece, al igual que sus pataletas con los críticos.

Desde luego, “Tiempo” no se encuentra entre las mejores obras de su director, pero hay que reconocer que es una propuesta arriesgada, ya que para nada se encuadra en ninguna moda de terror comercial y apenas hace concesiones a la galería. Más allá de su final, el mensaje que transmite Tiempo es tremendamente demoledor. Es posible que, desde el punto de vista de la historia, sea una de las obras más oscuras del cineasta, lo que no deja de ser un contraste con la ambientación luminosa de la historia; aunque Shyamalan sigue siendo un narrador con maneras clásicas y espera a que llegue la noche para que surjan los monstruos de verdad. Resultaba imposible tener un final redondo para “Tiempo”, por lo que sabiendo eso, estamos frente a una notable película, que navega entre el terror y el drama, de un realizador que ha recuperado el rumbo que nunca debió perder. Me alegro de su buen funcionamiento comercial. Todo lo que sea poner a la gente delante de sus miserias siempre contara con mi aplauso y con mi fidelidad.

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"La calle del terror", ídem referencial en tres actos y para todos los públicos

August 9, 2021, 12:32 pm

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MISTER MOLOKO NOS HABLA SOBRE LA POPULAR ADAPTACIÓN REALIZADA POR LEIGH JANIAK DE LA OBRA DE R. L. STINE

En mi lejana adolescencia leí algunas novelas de R.L.Stine. Aunque nunca fue uno de mis escritores de cabecera, debo reconocer que en aquellos tiempos de poco bagaje literario y mucha (y bendita) inocencia sus obras no me desagradaban. Años después, y con bastantes más lecturas encina, nunca más he vuelto a revisitar al autor de Ohio. En la vida hay cosas que, ante el riesgo de padecer una triste e inmensa decepción, es mejor que permanezcan en nuestra memoria emocional como un agradable recuerdo de pubertad. Así funciona la nostalgia.

Al saber que Netflix tenía previsto estrenar una trilogía que adaptaba “La calle del terror”, una de sus franquicias más conocidas y populares, se despertó en mí cierta curiosidad por ver lo que los responsables de la plataforma hacían con la obra de Stine. En una decisión absolutamente meditada, dados los particulares condicionantes bajo los que se había llevado a cabo el proyecto, decidí esperar pacientemente a que se estrenaran los tres títulos, uno por semana, y me senté ante la pantalla de mi televisor con la intención de darme una maratón/festín de casi seis horas de duración. Lo que narro a continuación es el resultado de una digestión que, si bien no es del todo pesada, tampoco ha sido suficientemente satisfactoria. Siguiendo con las metáforas gastronómicas, ni he consumido un grasiento combo de fast food ni una receta más elaborada de autor; dejemos a la trilogía en esa tierra de nadie de los menús funcionales, con unos platos más decentes que otros que, aunque te sacian y no te provocan empachos, tampoco permanecen en nuestro recuerdo más allá de lo estrictamente necesario. Vamos, todo muy funcional.

“un producto perfectamente pensado y planificado para agradar a un target amplio de abonados a la plataforma, aunque sin obviar por ello a los aficionados más ortodoxos al cine de terror”

Lo primero que tenemos que decir de “La calle del terror 1994”, “La calle del terror 1978” y “La calle del terror 1666” es que forman una trilogía absolutamente indisociable y que, como tal, así la tenemos que entender y analizar. Si bien es cierto que son tres películas independientes, todas ellas cuentan con el mismo equipo técnico y artístico, están rodadas simultáneamente y guardan una evidente cohesión temática y argumental. Los ejecutivos de Netflix tendrán sus motivos, pero una de las conclusiones tras su visionado es que perfectamente se podría haber fragmentado la trilogía en seis episodios (o incluso en nueve si se hubiera querido desarrollar la historia de tres asesinos que aparecen y de los que prácticamente no se nos cuenta nada) dando lugar a una miniserie. Sea como fuere, este es un producto perfectamente pensado y planificado para agradar a un target amplio de abonados a la plataforma, aunque sin obviar por ello a los aficionados más ortodoxos al cine de terror a los que se nos ha dado de lo que hablar durante un mes.

La fórmula magistral de la que se han servido los responsables de la trilogía es muy sencilla: como base me subo a la moda de “Stranger Things” (2016) pero dándole una orientación que fluctúa entre el slasher y el cine basado en las historias de bujería; introduzco los tips más habituales dentro del género moderno; aderezo con homenajes a algunas de las películas más reconocibles de las últimas décadas (que en el caso de la segunda parte es evidentísimo); coloco algo de humor chusco; sazono con una sorprendentemente generosa cantidad de gore; y, por último, lo adorno todo con unos resultones huevos de Pascua para que el cinéfilo más curtido se pase la proyección buscando homenajes y referencias a otros títulos. Reconozcamos que no es el colmo de la originalidad, pero la receta cumple con lo esperado y, en algunos momentos, deviene muy resultona.

“reconozcamos que no es el colmo de la originalidad, pero la receta cumple con lo esperado y, en algunos momentos, deviene muy resultona”

La primera parte de la trilogía nos remite claramente al “Scream” (1996) de Wes Craven. En ella se nos plantea el núcleo de la historia y se nos presenta a los personajes principales. Sin entrar en demasiados detalles, diré que la película es un entretenimiento muy irregular, un producto que funciona a tramos pero que en general resulta bastante decepcionante. Los actores son justitos (eso por ser generoso), el humor en ocasiones cargantes (alguno de los secundarios son directamente abofeteables) y muchas situaciones inverosímiles. El mayor problema que le he encontrado es que en demasiadas ocasiones la trama está innecesariamente alargada y se sustenta en unos personajes que corren como pollo sin cabeza no se sabe muy bien hacia donde. En resumen, una película que sienta las bases sobre por donde van a ir las cosas y que, pese a aciertos parciales, resulta un producto clara y manifiestamente mejorable.

“La calle del terror 1978” es, con bastante diferencia, la mejor de las tres. Inspirada claramente en “Viernes 13 parte 2” (1981) y cogiendo elementos de “Campamento sangriento” (1983), sobre todo en la ambientación estética, la cinta resulta mucho más compacta, terrorífica y la narración fluye de forma mucho más sólida y sin tantos puntos muertos como su predecesora. No diremos que es una obra maestra, pero si resulta una estimable película de terror que, a pesar de contar con unos referentes bien definidos, integra muy bien todos los conceptos relacionados con lo sobrenatural con una trama puramente enmarcada en el slasher más ochentero. Además, se prescinde de ese humor tan molesto y las interpretaciones son superiores a las de la primera parte. Podemos decir que la cinta es un bonito homenaje a una determinada manera de hacer y entender el cine que satisfará no sólo a los nostálgicos, sino a todos aquellos que busquen una correcta historia de terror. Y no se olviden de los homenajes a “Carrie” (1976), “The Blob” (1988) y "El Resplandor” (1980) entre otros.

Desgraciadamente las buenas impresiones dejadas por esta segunda parte no se ven correspondidas en la última película de la saga. Aquí nos trasladamos hasta el año 1666 donde se nos explica el origen del mal que asola a la población de Shadyside y, en un giro interesante, se nos muestra quien es el responsable de todo. Desde mi punto de vista la película tiene dos grandes problemas. El primero es contar con una dirección artística espantosa que atufa a cartón piedra y que tiene momentos absolutamente sonrojantes. Y no es que se le pida a la película que tenga la fidelidad de un “Barry Lyndon” (1975) de Kubrick, pero de ahí a mostrarnos unos decorados que parecen sacados de un parque temático de tercera va un paso. Seguramente con mucho menos presupuesto, el bueno de Robert Eggers logro en “The Witch” (2015) una ambientación infinitamente más creíble y coherente con el periodo histórico.

“tres películas irregulares, con momentos interesantes y otros muy flojos, que ofrece seis horas de entretenimiento sin demasiadas pretensiones”

Su segundo problema es que, una vez explicado el origen del mal y ya de vuelta a los años noventa, todo se vuelve muy precipitado e inconexo. De golpe la película parece una versión bizarra de “Solo en casa” (1990), filmada en un centro comercial, a la que se le ha olvidado generar suspense, miedo o cualquier otra emoción infinitamente relacionada con el terror. Básicamente lo que nos ofrece la directora es a unos personajes disparando con pistolas de agua a un grupo de psicópatas espectrales con dudas existenciales sobre quien es la víctima a la que deben perseguir. Si, se que escrito suena fatal, pero es que visto en imágenes luce igual de espantoso. Parece mentira que la misma directora que ha tenido tan buen pulso narrativo en la segunda parte de la saga no haya sido capaz de armar un final mucho más coherente y, especialmente, épico. De verdad, la película ni tiene sustos, ni da miedo y por no tener ni encontramos esos momentos gore que si habíamos visto en las anteriores entregas.

No voy a ser yo quien critique la política de producción de Netflix (para ello ya están los hiperventilados de lo puro y lo auténtico), pero a tenor del impacto popular que ha tenido la trilogía, no me cabe ninguna duda que el invento ha sido un éxito y que en el futuro probablemente veamos más entregas de la saga. Tampoco quiero entrar en debates sobre el cine de terror pensado para el disfrute de un segmento de población amplio, sobre lo autorreferencial o sobre si las plataformas ofrecen productos de consumo rápido para paladares poco exigentes. Creo que ello es reducir la complejidad del mundo de la producción audiovisual a una simplificación absurda. Sí, estamos ante una trilogía pensada para agradar a un amplio sector de población; sí, las tres películas cogen referentes de moda (“Stranger Things” sería el más evidente) y los mezclan con otros mucho menos “conocidos” para crear con ello un híbrido que funciona en distintos niveles de percepción cinéfila; y sí, dentro de unos años no creo que nadie considere a la trilogía de “la calle del terror” un producto icónico entro del cine de fantástico (aunque cosas más raras se han visto).

Hablamos de tres películas irregulares, con momentos interesantes y otros muy flojos, que ofrece seis horas de entretenimiento sin demasiadas pretensiones. En el fondo, y siendo intelectualmente honestos, este no deja de ser un cine comercial pensado para agradar al mayor número de espectadores posible, la mayoría de los cuales en su vida pisarán un festival especializado ni saben quién es Ari Aster o Joe Begos. El resto es marear la perdiz innecesariamente. Mi consejo: siéntense, pasen un buen rato y a otra cosa. En el fondo, ¿Qué sería la vida sin estos pequeños momentos de asueto?

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Crítica: Deep

August 12, 2021, 1:33 pm

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DONNIE NOS HABLA SOBRE ESTE POCO RECOMENDABLE THRILLER DE CIENCIA FICCIÓN TAIWANÉS RODADO A DIEZ MANOS

Hay películas de las que te es difícil escribir algo positivo, que incluso te cuesta acabar de verlas y que te hacen pensar como alguien que tuvo un inicio de carrera cinematográfica muy prometedor, acaba participando en cintas de tan escasa calidad. 'Deep' (2021) y Wisit Sasanatieng, director y guionista de las notables 'Las lagrimas del tigre negro' (2000) y 'Citizen Dog' (2004) (de verdad, si no las habéis visto todavía y tenéis la oportunidad de verlas, no os las perdáis) quien aquí participa como guionista, son un ejemplo de ello.

“esta es una cinta muy simple, demasiado inocente, tanto que es difícil que encuentre su público. Sin duda alguna Deep va destinada a un grupo muy determinado de espectadores”

Un grupo de jóvenes con problemas para dormir participaran en un experimento en el que tienen que permanecer varios días despiertos a cambio de una gran cantidad de dinero. Pero no todo es tan sencillo como creen, un chip insertado en la base de la nuca y que extrae una proteína, les impedirá dormir más de un minuto. Si lo hacen sufrirán un paro cardíaco y morirán.

No es muy prometedora la sinopsis de la película y tras animarnos a verla, sus primeros minutos, sus personajes y la más que justitas, por decirlo educadamente, interpretaciones de los actores, hacen que el espectador se de cuenta de que esta no ha sido la mejor opción para disfrutar de una película un sábado por la noche. Y el desastre que va pasando ante nuestros ojos se hace todavía más grande y menos entendible al ver que hay varios directores y guionistas detrás de 'Deep'. Con tanta gente es difícil pensar como nadie tuvo una idea brillante, como alguien no pensó en que lo que se estaba rodando no funcionaba.

“Ni la historia acaba por convencernos, ni la manera elegida para plasmarla en pantalla lo hace. Deep es una cinta extraña, porque durante gran parte de su metraje no ocurre nada destacable”

Ni la historia acaba por convencernos, ni la manera elegida para plasmarla en pantalla lo hace. 'Deep' es una cinta extraña, porque durante gran parte de su metraje no ocurre nada destacable, todo resulta anodino y carente de interés, pero los directores intentan dar ritmo a la cinta, algo que sea dicho de antemano no consiguen, con ciertos momentos que intentan llamar la atención, que quieren ser rompedores, modernos, reflejar los gustos de los jóvenes pero que solo consiguen sonrojarnos y en mi caso, distanciarme todavía más de lo que estoy viendo. Y si a esto sumamos ciertas escenas que de tan ridículas resultan hasta entrañables, el despropósito está garantizado.

Hace días que vi esta película y no es fácil salvar algo de la quema general. Intento pensar en algo y de verdad que no lo encuentro. 'Deep' consigue que 'No dormirás' (2018) parezca una obra maestra y si alguien pensaba que iba a encontrarse con algo en la línea de 'Flatliners' (2017) que se vaya olvidando (dicho esto por la idea de encontrarnos con un grupo de jóvenes que forman parte de un experimento que parece que va a tener fatídicas consecuencias). Da la sensación de que 'Deep'en algún momento quiere despegar, parece que va a ofrecer al espectador lo que espera de una cinta como esta, pero no. Todo acaba resultando ridículo, estereotipado hasta decir basta y lo que es peor, 'Deep' tiene una parte final realmente decepcionante y que deja en el espectador un amargo sabor de boca. Es fácil hacer el chiste: 'Deep' consigue en nosotros aquello que quieren evitar sus protagonistas: Dormir.

“no puedo animar a ningún lector que no haya visto esta película a hacerlo. Prefiero recomendar las dos primeras cintas de Sasanatieng”

Solo podemos decir que esta es una cinta muy simple, demasiado inocente, tanto que es difícil que encuentre su público. Sin duda alguna 'Deep' va destinada a un grupo muy determinado de espectadores del que yo hace ya años no formo parte, pero al ver que todo lo que ocurre en pantalla es tan aburrido, tan insulso, tampoco creo que aquellos para los que está pensada esta cinta consigan disfrutarla. Tiene 'Deep' un componente de cine fantástico por el tipo del experimento al que se someten los protagonistas, y tiene esta una parte dramática que tampoco funciona. Es cierto que esta tiene la función de que entendamos a los protagonistas, al menos a algunos de ellos, sus motivaciones y que sus decisiones no nos resulten del todo extrañas. Pero por desgracia nos da igual. Nada funciona en esta película y esa sensación nos acompaña durante todo el metraje.

Sinceramente no puedo animar a ningún lector que no haya visto esta película a hacerlo. Prefiero recomendar las dos primeras cintas de Sasanatieng o también 'The Unseeable' (2006), cuando el director y guionista rodaba películas interesantes y notables. He de reconocer que si no fuera por que vi que este formaba parte del grupo de guionistas de la cinta, no habría acabado de verla, y si lo hice fue porque esperaba ese momento de brillantez que el director y guionista dejó en algunos de sus anteriores trabajos. Está claro que ese momento no llegó y que la hora y cuarenta minutos de película se fueron convirtiendo poco a poco en un tormento. Prescindible y carente de interés.

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Crítica: Rose

August 13, 2021, 12:16 pm

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MAIK LINGOTAZO NOS HABLA SOBRE LA PROMETEDORA ÓPERA PRIMA DE LA BRITÁNICA JENNIFER SHERIDAN

Ha sido sacar a pasear el ventilador y hacerlo como si no hubiera un mañana. El astro rey parece haber querido doblar la apuesta ya que no solo ha decidido asomar, ahí bien rutilante él, con todo su esplendor y antes de tiempo (como si tuviera que pedir permiso para ser impuntual, ¡ja!), sino que además lo ha hecho de tal modo que ha conseguido relegar a la práctica inutilidad a nuestro eléctrico amigo del aspaviento. Al menos con el mío está siendo así, vaya. Supongo que toca renovarlo... o derretirse. Y quizá es por eso también que vuelvo a repetir con película enclavada en paraje aislado cubierto por el espeso manto blanco de la nieve. No sé, tal vez sea una pulsión del subconsciente. Quién sabe. Acaso como para ver si así se me cala algo del frío que tan bien transmiten las estampas paisajísticas en que tanto gustan de localizarse no pocos de los filmes que me he visto últimamente, siendo con el que nos ocupa que nos trasladaremos a los imponentes bosques de Gales. ¿No decían que el frío es psicológico? Pues eso...

“uno de los elementos destacables de esta producción es la sintonía que transpira el dúo principal en todo cuanto hace”

Con todo, cabe diferenciar entre que algo te paralice y te hiele la sangre, o que por contra te deje más bien frío. Estamos ante lo que para mí y mi personalísimo gusto se aproxima más a la primera opción de la disyuntiva. Es cierto que se mueve por latitudes alejadas del golpe de efecto y el pasmo del escalofrío, pero lo compensa al recrearse en esas altitudes que, como ocurre allí tan arriba donde la vida humana no es posible, te congelan el aliento sin prácticamente darte cuenta. Eso, y no otra cosa, es lo que le sucede a la pareja protagonista. Y así, respetando la cadencia de esa deriva, es como nos lo quiere mostrar, y hacer sentir, la directora británica Jennifer Sheridan.

No se corta, pues ya desde el propio título nos avisa. Hay una intención eminentemente poética en esta sublimación de las relaciones humanas, y en cómo se nos son revelados horror y épica colisionando bajo su sustrato; casi como fuerzas telúricas que componen una arquitectura de placas y capas, es ahí, a niveles freáticos, donde pugnarán luchando por salir compromiso, enfermedad, miedos y afectos. Joder, esto igual ha sonado un poco a matrimonio. Me disculpen, ya que no era mi propósito... pero mira, así ha salido y así se va a quedar. Porque, no en vano, uno de los elementos destacables de esta producción es la sintonía que transpira el dúo principal en todo cuanto hace... y es que ser compañeros sentimentales en la vida real, en este caso parece haber jugado, sin duda, en favor del resultado final en lo que refiere, al menos, a esta su labor profesional.

“Una película consciente de sí misma, que no pretende engañar y que lo hace sin caer por ello en la más insulsa de las planicies”

Tras una extensa trayectoria en la que predominan las apariciones seriales, Sophie Rundle encarna a la, más que afligida, diríamos que trastornada pero sensible Rose. Frente, o mejor dicho junto a ella, Matt Stokoe (“Hollow”, 2011, o “The Dyatlov Pass Incident”, 2013) se pondrá en la piel de Sam, el abnegado marido que contra viento y marea se aferra al hilo del que pende su relación, intentando tejer con él el abrigo que la salvaguarde ante tal cúmulo de circunstancias adversas. Vemos cómo se las tiene que ingeniar para todo cuanto concierne a la supervivencia de su mujer, que no solo padece una extraña afección, sino que además la ha de vivir cual apestada, lejos de miradas indiscretas y cuchicheos de corrillo.

A partir de ahí, uno ya puede imaginarse que lo que vendrá va a ser una retahíla de pasajes dispuestos expresamente para ilustrarnos el frágil equilibrio sobre el que se sostiene esa existencia, con sus consuetudinarios contratiempos, sus momentos de contenida tensión, y siempre bajo un halo de quietud enrarecida que lo impregna todo, de esa calma tan sugerente como sospechosa, amenazante incluso. Es este a mi juicio uno de los aspectos notables que puntúan al alza en “Rose” (2020), pues cada escena es una pista, algunos enfoques son verdaderos aciertos sabiendo arrojar luz sobre la penumbra visual en la que discurre gran parte del metraje, y los diálogos están medidos, con sobriedad y sin fingimiento, diciendo a veces mucho más que lo que cuentan.

Por su lado, Rose vive sus días aislada y, para colmo, en reclusión. Durante las noches lidia con sus inseguridades y sus cavilaciones. Sin más contacto con el mundo exterior que una radio y sin más estímulo para con su mundo interior que ese libro que anda escribiendo tal vez con el anhelo, toda vez le ponga punto final, de que algún día pueda ser leído por alguien más aparte de Sam. Con el deseo, en suma, de romper esa barrera que la separa del resto de la humanidad. De dejar un legado, quizá. Seguramente el único que su desdichada condición le permite soñar. Aunque a veces la vida te da sorpresas, y al igual que ella la película también nos depara una. Sorpresa relativa, todo hay que decirlo, donde la mujer aún tendrá tiempo para sentir cómo aflora su instinto, cómo lo acaricia y lo degusta, más allá del nexo de unión que mantiene con Sam. O a pesar de él.

“Es posible que peque de falta de ambición, y que esa laxitud emerja en alguna que otra ocasión a lo largo de sus digeribles 86 minutos. A veces incluso más de lo que sería deseable”

El guion está escrito íntegramente por el propio Matt Stokoe, quien además se cuenta entre los productores de un proyecto a todas luces sumamente personal. La conexión fue instantánea con la debutante Jennifer Sheridan después de que esta leyera la historia, despertando en ella tal interés que no tardó en sentírsela como propia, convenciéndose para dar el salto a la dirección. Habiendo sido galardonada en anteriores cortometrajes, y ampliamente reconocida por su constante y profuso desempeño en las tareas de edición, aquí también se encarga del montaje, logrando conjugarse sin estridencias junto a la cinematografía dispuesta a cargo de Martyna Knitter. El acabado, pues, refleja el buen hacer en base a unas ideas claras. Una película consciente de sí misma, que no pretende engañar y que lo hace sin caer por ello en la más insulsa de las planicies.

Me ha mantenido en todo momento despierto, atento a cada retazo que se iba destapando, casi como una pieza que azarosa cayera solitaria en la vastedad de un puzzle. Y así mientras es como vas enlazando conectores hasta que por ti mismo descubres el 'big picture'. No me quiero flipar... que tampoco estamos ante una epifanía, eh. Pero vaya, que por ahí van los tiros. Es una experiencia mucho más consciente, hasta cierto punto exigente en el sentido de que no te lleva de la mano, sino que te conmina en tanto que espectador para que participes, para que barruntes y dilucides. No es menos cierto que esto tampoco se adscribe a ninguna corriente de farragosas narrativas, con sus giros imposibles cuando no sus tropos fraudulentos. No te vas a comer mucho la cabeza, aquí más bien estamos ante un ejercicio ligero de construcción audiovisual, pero que con todo rebasa las cotas indulgentes de lo meramente bienintencionado para situarse con todo merecimiento en las de lo, casi, notable. Su revisión velada de clichés icónicos del género, atravesándole de forma no tan alegórica como cabría presuponer el concurso de un leit motive romántico con muy poco de romance y con mucho de fatalidad, deviene en una obra que puede que no vaya a ser especialmente recordada, pero que sin duda se lo ha currado lo bastante como para ser recomendada, y como en mi caso disfrutada.

Es posible que peque de falta de ambición, y que esa laxitud emerja en alguna que otra ocasión a lo largo de sus digeribles 86 minutos. A veces incluso más de lo que sería deseable. Sobre todo a medida que nos acercamos al final, y especialmente en el desenlace. Como casi siempre, todo es mejorable. Y en algo que supone una puesta de largo, encima en una industria tan competitiva y salvaje como la cinematográfica, pues ya ni te cuento. Pero lograr estrenarte en el BFI London Film Festival del pasado año ya es toda una buena señal. Mejor quedarse con lo positivo y poner de relieve los mimbres de esta pieza porque de cara al futuro, por lo pronto, ya parten con un cesto mucho más que apañado. O, como mínimo, eso es lo que se nos augura, a tenor de lo visto y visionado. Lo cual es digno de mención, y hasta de elogio. En “Rose”, sus espinas no hacen sangre.

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